Artiste, une profession ?

Bonheur du travail

2011-06-11T09:49:00.000-07:00

Antoine Perrot

à la galerie Lahumière

Plus impréssionnant que les oeuvres, c'est le titre. "la peinture porte bonheur". Il semble un peu enfantin, mais vraiment touchant. Je ne me suis pas beaucoup demandé la question sur mon bonheur dans le travail artistique. Peut-être, c'est parce que je me suis mis dans le préjugement que l'artiste doit être malheureux. Ces oeuvres d'Antoine Perrot, apporteront à qui le bonheur?

Le sujet peut se changer par le paradigme du temps. Alors qu'à XIV siècle, nous avons donné notre vie aux dieux, aujourd'hui nous consacrons à notre bonheur. Certains ont dit que l'idée du bonheur avait été né tout récémment : Le renaissance mène la perception du "moi", ensuite le concept de bonheur est né d'ici. Dis-donc, à la prochaine génération que sera traité comme le sujet?

par Park, Sungho 258775

Richard Prince

2011-06-11T09:39:00.000-07:00

Richard Prince

BnF François-Mitterrand du 29 mars au 26 juin 2011

Richard Prince connu par ses re-photographies de cow-boys ou sa série de Nurses. Il est certainement un artiste qui raconte le mieux de l’Amérique fin de siècle. Richard Prince fait des re-photographies comme les autres poste-modernistes. Il reprend des images de la publicité ou celles d'autres. Paranoïaque, il ne cesse de ramasser des images : le verre qu'il boit avec, la premières édition de livre, la photo signée, l'oeuvre de l'autre artiste, etc.

L'image qu'il prend, ne regarde pas que ce soit un origianal ou une reproduction. Comme s'il défend que ce n'est pas très important, alors que quelqu'un a insisté de l'importance de l'aura dans une oeuvre originale. La photographie et la vidéo nous permettent la réplication infinie. Est-ce qu'il y a un marge à nous - les modernistes qui portent en H&M et font les coures chez Monoprix, pour dire de la value artistique d'une oeuvre de maître?

Dans l'exposition à la BNF, consacré principalement aux livres, aux affiches, et aux reproductions, nous pouvons voir sa passion à la collection. Varié et divers, il est difficile à saisir son intention au premier coup. Voyons quelques tableaux, il écrit au-dessus. Des fois, son écriture est trop élarge que l'on ne peut pas lire en entier. D'ailleur, il dit avec comme si c'est une blague. Ses oeuvres repris et basé sur le poste-modernisme nous fait voir les aspects variés de la culture de l'amérique.

par Park, Sungho 258775

Un théâtre silencieux

2011-06-11T09:12:00.000-07:00

AJAC (l'association des jeunes artistes Coréens) a eu l'exposition intitulé "un théâtre silencieux" pour ses nouveaux 10 membres du premier avril au 23. Son explication est au-dessous.

« Le Théâtre Silencieux »

Au théâtre, nous découvrons une mise en scène des sentiments de l'homme à travers la chorégraphie, le texte et la dramatisation. C'est à travers la peinture, la sculpture et la photographie que les artistes coréens du groupe Ajac explorent la nature de notre l’esprit.

En s’introduisant au théâtre, les artistes créent une situation singulière: une mise en regard de ces deux approches artistiques.

Oeuvres en sons et mouvements d'un côté, de l'autre, oeuvres figées et silencieuse,

Un tel contexte n’est pas sans rappeler les transformations du monde moderne qui s'affirment dans les confrontations du spirituel et de l'économique et industriel, de l'artisanat et des nouvelles technologies, du traditionnel et de la modernité... Ces "forces" qui s'opposent, cette "tension" continuelle peuvent apparaitre alors comme clef de voûte de nos propres vies, comme une fenêtre sur nos idéaux et offrent des indices pour mieux comprendre vers quoi se tourne notre regard. Dans cet esprit, Le Théâtre Silencieux propose quelques formes de "collisions" des cultures Française et Coréenne. Bien que l’exposition soit silencieuse, écoutons ce que les oeuvres ont à nous dire...

par Park, Sungho 258775

Grande Chaumière

2011-06-11T09:07:00.000-07:00

L'Académie de la Grande Chaumière est une école d'art située à Paris au 14 rue de la Grande Chaumière. Fondée en 1904 par la Suissesse Martha Stetller(1870-1945) et dédiée à la fois à la peinture et à la sculpture, elle fut très réputée au début du XXe siècle. Reprise en 1957 par la famille Charpentier, fondatrice de l'Académie Charpentier, elle abrite toujours sous son nom d'origine deux ateliers libres, l'un de peinture et de dessin, l'autre de croquis, ainsi que des cours du soir.

Avant, peut-être, un étudiant sérieux dans cette académie pourrait devenir un vrai artiste. Néanmoin, en ce moment il n'y a guère ou certainement pas, cette possibilité. Ce n'est pas la peine qu'un artiste se plaigne sa condition autour de lui. La plupart des artistes rêvent d'être un grand artiste un jour, malgré qu'ils souffrent par l'indifférance des gens. Cette fantasie est venu d'une idée à l'époque de l'impressionisme. Evidemment. bien que les impressionistes soient critiqué au salon des indépendants, quelques temps après, ils reçoivent une nouvelle perspective par le plublic. Cela fait perdre la puissance des critiques. Mais à ce temps-là, le mythe d'un artiste est aussi né, par example Vincent Van Gogh. Il est considéré l'un des plus grands artistes aujourd'hui, tandis qu'à son temps, il n'a vendu que deux tableaux. Qui fait cette distance? Cet écart nous fait encore rêver de l'avenir en tant qu'artiste. Je ne pense pas que le réel doive nous enfermer, mais il est necéssaire que les artistes regardent correctement le réel devant eux.

par Park, Sungho 258775

Marc Desgrandchamps – Le regard lucide vers la peinture

2011-06-10T12:58:00.000-07:00

Il y a 5ans à peu près, un moment obscur ou je m’en doutais par rapport aux artistes peintres contemporainnes françaises, cet artiste été un éclat dans l’obscurité pour moi. En rencontrant avec les tableaux de cet artiste splendide je me suis encouragé à continuer mon travail artistique. C’était un grand plaisir de retrouver encore ses tablaux à l’exposition actuelle qui a lieu au musée d’art moderne de la ville de paris. Il est un artiste renormmé en ce moment, alors il n’est pas nécessaire de rajouter les mots sur son travail, je veux donc décrire ici tout simplement ceux que j’ai remarqué sur ses oeuvres, avec un état d’âme tranquille et léger.

Il travaille avec des bribes de mémoire, à partir d’évènement fortuits. Des situation indéterminées. Il dispose des pièces sans identité ; les figures, l es objets et le paysage. La disparition et la apparition coexistent en même temps dans son tableau. Il y a aussi une reflexion entre la vie et la mort qui est présenté par le corps tronqué et transparent. Sur son tableau on remarque tout d’abord certaines figures placées au paysage, alors l’artiste prend un thème très clair et pertinant celui qui engage notre confiance pour exprimer son sujet. Ensuite, en sous de le vue plus attentif, son image nous montre une composition qui a dérivé par une réflexion profonde d’une artiste. C’est un précieux fruit qui a obtenu sur une recherche profonde et après de nombreux tâtonnement. Je trouve que son geste est exactement la même avec des artistes peintres anciennes qui poursuivaient le nouveau davantage et composaient le tableau en donnant l’importance à la recherche de l’essence de la peinture. Dans ce sens, bien que le tableau peut changer son apparence par la fluidité du temps, une investigation vers l’espace ambigu, soit le geste de peintre qui essaie à trouver l’essence de la peinture, ne change pas, et ne changera pas jusqu’à l’avenir. Marc Desgrandchamps est un grand artiste français assez remarquable à aujourd’hui et un bon modèle sur l’attitude de peintre dans un domain de la peinture contemporaine.

Par Hangki MIN ( 259869/ L3 / Arts Plastiques)

« Artiste », est-ce une profession ?

2011-06-10T12:56:00.000-07:00

Peut-on définir l’activité de l’artiste comme une profession ?
Lorsque l’on me demande ce que je fais dans la vie, j’essaie généralement d’éluder la question.

Au lieu de sortir ce mot d’ « artiste » de ma bouche, je dis ce que je fais actuellement comme travail artistique, avec une attitude un peu modeste. Je pense que c’est peut-être parce que le titre de « l’artiste » véhicule une image bien distincte des autres professions.

L’image typique de l’artiste d’aujourd’hui ne s’est pas construite subitement. Cette conception de « l’artiste » a changé à travers les époques et les pensées qui ont dominé ces époques.

« Le succès de l’artiste dans le marché de l’art s’oppose à sa dignité en tant qu’artiste authentique qui ne doit poursuivre que le bien, le beau et le véritable.
Au contraire, l’échec de l’artiste dans le marché de l’art lui rend la dignité. »

Selon cette citation du peintre autrichien, Joseph Anton Koch (1768-1839), l’artiste ne doit pas rechercher la mondanité, il existe une sorte d’qppel divan qui différencie le métier d’artiste des autres professions.

Mais, de nos jours, en ce qui concerne les artistes qui travaillent avec du matériel très cher comme les outils informatiques ou qui travaillent globalement, de pays en pays, pour une activité de grande envergure dans l’objectif de devoir rechercher de nouvelles idées, il est évident qu’ils possèdent le moyen de se financer pour la continuité de leur mouvement artistique.

Par exemple, pour François Morellet, Andrea Gursky ou Damien Hirst – des artistes onéreux qui possèdent ce moyen de vivre de leur travail- le titre d’ «artiste » peut être une véritable profession, sinon il est considéré comme une satisfaction personnelle de l’artiste lui-même.

Par Hangki MIN ( 259869/ L3 / Arts Plastique)

L’immortalité de la peinture

2011-06-10T12:18:00.000-07:00

Depuis longtemps, on entend parler de la mort de la peinture. J’imagine les années 90 comme une période où l’ambiance a commencé à changer à cause de l’émergence du multimédia. A cette époque, la peinture a commencé à être remise en cause, beaucoup de discussions portaient sur la crise de la peinture. Cette anxiété ne concernait pas seulement le domaine pictural mais elle s’était répandue à tout notre environnement. Je pense que ce phénomène était un effet secondaire d’un amalgame excessif.

A partir du XXème siècle, les jeunes peintres qui honorent de grands artistes comme Van Gogh, Gauguin ou encore Cézanne créent de nouvelles zones d’idéologie. Dans les années 70, les artistes envisagent la peinture d’un point de vue philosophique. Puis dans les années 80, ils commencent à considérer la peinture comme un acte politique capable de susciter des réflexions se rapportant aux mouvements sociaux. Au début des années 90, les artistes réalisent des peintures abstraites et figuratives en approfondissant et en développant des notions ambigües mais en appliquant également à leur travail des médias variés représentatifs d’une nouvelle époque. Aujourd’hui, à l’ère de l’informatique, il n’est pas étonnant de croiser un peintre qui travaille sur écran ou sur d’autres matériaux informatiques en lieu et place de sa toile. Son oeil imite le regard de la caméra, et l’artiste peut percevoir le monde réel par le moyen représentatif de la lentille de la caméra. C’est pour cette raison que l’organe sensoriel change de spécificité et que, par conséquent, la vision de la peinture change aussi. La grande tendance de la peinture d’aujoud’hui est à la recherche d’une direction à suivre et de l’identité du peintre dans une culture en pleine transformation. La peinture qui me semble idéale est une peinture qui serait tangible et qui pourrait toucher directement nos sens tout en possédant évidemment des notions théoriques et artistiques.

Certaines personnes disent que nous sommes arrivés au terme de la peinture parce qu’elle représente un intermédiaire conservateur. Je comprends que cette conception soit une manière de nous amener à réfléchir et à discuter avec animation sur la recherche de nouvelles notions dans la peinture. Il faut se demander avant de déclarer la mort de la peinture si nous en avons vraiment vu l’aboutissement. Quant à moi, je considère la peinture comme un médium potentiel qui a la capacité d’évoluer avec son époque. La peinture est un espace où l’on exprime la sensation mais aussi la perception. Comme cela, la peinture est un intermédiaire simple mais original.

Par Hangki MIN ( 259869/ L3 / Arts Plastiques)

« La vie sensible », Emanuele Coccia

2011-06-10T12:05:00.000-07:00

Dans cet ouvrage, l’auteur Emanuele Coccia s’interroge sur la sensibilité, sur la vie sensorielle. Nous sommes sensibles et cette sensibilité est le commerce que nous entretenons avec la vie même …

"Nous vivons sous l’influence pérenne du sensible : odeurs, couleurs, sensations olfactives, musiques. Notre existence-dans le sommeil ou en état de veille-est un bain infini au cœur du sensible. Les sensibles-dont les images ne cessent de nous nourrir de d’alimenter notre expérience diurne ou onirique-définissent la réalité et le sens de chacun de nos mouvements. Ce sont eux qui donnent une réalité à nos pensées, ce sont eux qui donnent corps à nos désirs".
- paragraphe extrait du e 12em chapitre « De l’unité du monde », p. 55

Pour pouvoir sentir le monde, les être humains utilisent leurs cinq sens- la vue, l’ouïe, l’odorat, le goût et le toucher. Toutes ces expériences sensibles s’accumulent en nous et par la suite elles se synthétisent via la perception, l’activité intelligible. Mais cette activité ne précède jamais l’expérience sensible. Pourtant la perception est une étape indispensable pour la création artistique.

Le sujet pensant qui exécute les activités sensibles et intelligibles utilise des sources imaginaires ou réelles afin de former des représentations qui seront le résultat créatif de la perception.

Tout objet possède sa représentation. En ce qui concerne la représentation de soi, il est d’abord nécessaire de construire notre propre image en nous. Pour cela, nous avons besoin d’un intermédiaire qui nous renvoie une image. Car l’image mentale de soi ne se forme qu’à travers la relation entre le soi qui a conscience et l’objet du sensible et de l’intelligible qui entoure le sujet. Sans le lieu où habite l’image, tel que le miroir, on ne pourrait pas élaborer notre réalité physique.

L’image mentale est l’aboutissement d’une recherche sur les ressemblances et les dissemblances entre les images de soi, reflétées sur des objets variés, et qui communiquent entre elles. Lorsque l’on se représente sous forme d’autoportrait, on synthétise ces images complexes et on les réinterprète en les traitant à nouveau par l’intermédiaire de l’activité créative, laquelle succède donc aux activités sensible et perceptive.

Il est évident que l’image de soi possède une base imparfaite puisque que notre environnement est en perpétuel mouvement. Ainsi les objets appartenant à cet environnement changent aussi sans cesse d’apparence.

La vie sensible, dont résultent ces images mentales, nous entraîne dans l’exploration du soi. Nous avons besoin de cette exploration, d’abord pour pouvoir définir le soi dans sa relation avec le monde intérieur et extérieur et ensuite pour ressentir véritablement notre appartenance à ce monde physique.

Par Hangki MIN ( 259869/ L3 / Arts Plastique)

2011-06-09T15:47:00.000-07:00

Du point de vue du contenu également, il semble que l'opposition art et philosophie soit bien tranchée. L'art appartient en effet à un domaine qui, eu égard aux concepts que la métaphysique emploie ou évalue positivement, ne peut qu'être dévalué par rapport à la philosophie.

L'art en effet a à voir avec les apparences sensibles ; or on sait que dès ses débuts le philosophe s'est opposé à ce domaine en tant qu'il n'est pas voie d'accès à l'être, et n'est même pas de l'être à proprement parler : les apparences sensibles ne renvoient qu'à la surface des choses. La philosophie qui est recherche de la vérité, et, en tant que métaphysique, enquête ontologique, ne peut que s'opposer au domaine des apparences et même du sensible en général.

On comprend que Platon, initiateur du discours philosophique occidental, mette l'art hors du champ de la philosophie. L'auteur pense l'art comme opposé à la philosophie et comme dangeureux pour elle. En effet, l'art est pour lui du même ordre de valeur que la rhétorique ; l'art dupe et flatte les sens, et nous éloigne de la réalité vraie.

Si on regarde le portrait du poète qui est fait dans les livres 3 et 9 de La République, on ne peut que constater qu'il s'oppose en tous points avec le portrait du philosophe qui nous est dépeint dans le livre 7. L'artiste ou le poète, est éloigné de trois degrés de la vérité : quand il copie quelque chose, ce n'est même pas l'exemplification de l'Idée, qui elle est déjà une pâle copie de ce qui est réellement réel, mais seulement son reflet apparent ; le poète néglige la vérité et détourne l'amateur d'art de l'effort pour atteindre au vrai ; pire, il fait passer son entreprise pour vraie, alors qu'il n'a aucune connaissance véritable de l'Idée : il est donc en opposition avec le philosophe et peut même empêcher celui-ci de mener à bien son entreprise d'éducation du peuple.

L'art est dangeureux (en tant, il faut le noter, qu'apparemment, l'art essaierait de s'approprier de l'objet propre du philosophe : car alors, ayant avec lui la belle apparence, pouvant donner lieu à un plaisir esthétique, il sera plus "convaincant" pour le peuple que la philosophie, qui elle, n'a pour elle que la raison, qui paraît souvent au peuple trop rêche et trop sérieuse...) ; et c'est le philosophe qui reçoit le rôle de nous avertir de ses dangers.

La philosophie, chez Platon, se définit donc par son opposition même à l'art, et par sa supériorité sur celui-ci : elle doit le remplacer. L'art de son côté essaierait d'empiéter sur son domaine, sans succès. Il est vrai que si, comme on l'a dit, les caractéristiques spécifiques de l'art sont nettement exclusives de la philosophie, alors, si l'art essaie de faire comme la philosophie, alors, l'art ne peut que, si la philosophie est déclarée supérieure en dignité, faire moins bien qu'elle.
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Presse Membres Paris, Delhi, Bombay… L'Inde vue par des artistes indiens et français Centre Pompidou (Paris) 25/05/2011 > 19/09/201

2011-06-09T15:41:00.000-07:00

domaine art contemporain
période XXIe siècle
Le Centre Pompidou présente en Galerie 1 Paris-Delhi-Bombay…, une grande exposition qui invite à découvrir la société indienne contemporaine à travers les regards croisés d’artistes plasticiens indiens et français. Fondé sur une collaboration inédite entre l’Inde et la France, cet événement a pour ambition de générer des échanges et de tisser des liens durables entre les deux cultures. Sous la forme d’une confrontation unique d’expressions artistiques, ce projet d’un genre nouveau se nourrit des expériences et des visions des créateurs : comment l’Inde d’aujourd’hui est-elle perçue par les artistes indiens et par les artistes français ? Près de cinquante artistes rendent [..

hadded imen 10271828

Hervé cossi Attigla: « L’artiste plasticien doit se faire connaître avec des preuves »

2011-06-09T11:34:00.000-07:00

j'ai rencontrais cet artiste depuis 4 moi et je le poser des question sur l'artiste et son metier .

il Né le 11juillet 1976 à Gbéhoué dans le département du Mono, Vianney Hervé Cossi ATTIGLA alias « AVHEC » fait de son existence l’innovation de l’art plastique au Bénin et dans la sous-région. Ce jeune béninois engagé dans le métier d’art plastique, de décoration, de calligraphie et de sérigraphie depuis bientôt 10 ans a honoré son pays dans la sous-région à travers ses différentes oeuvres. Dans l’entretien qu’il nous a accordé, Hervé Cossi ATTIGLA nous parle de ses premiers coups de pinceau, de ses expositions au Bénin comme à l’étranger et son vaste programme pour la valorisation de l’Art plastique au Bénin.

L’Evénement précis : Vous êtes artiste plasticien depuis bientôt 10 ans. Dites- nous un peu comment vous y êtes parvenus ?

Hervé Attigla : C’est en 1996 que j’ai commencé le dessin dans les ateliers de fortune comme la plupart des apprentis qui n’ont pas un grand soutien. Mon talent d’élève dessinateur a très tôt séduit mon entourage. Mais le destin a voulu à un moment que j’abandonne le dessin pour continuer les études. Après quelques années sur les bancs, je suis revenu à mon atelier de dessin où j’ai commencé ma formation proprement dite. J’étais là quand, un jour, on me sollicite pour un stage au musée d’Abomey. Mon talent n’a pas laissé indifférent l’artiste plasticien béninois Ludovic FADAIRO qui m’a amené à Cotonou. C’est donc le début d’une aventure au cours de laquelle, j’ai accumulé des expériences et qui fait de moi aujourd’hui, l’un des artistes plasticiens de mon pays.

Parlez- nous un peu des difficultés que vous rencontrez dans l’exercice de ce métier ?
Les difficultés sont aussi nombreuses et on ne peut pas tout le temps les énumérer. Mais il faut dire que les artistes plasticiens béninois aiment évoluer individuellement contrairement à ce qui s’observe dans les autres pays de la sous-région. C’est un défaut au niveau des artistes plasticiens béninois qui ne savent pas encore que c’est l’union qui fait la force. Ce n’est pas facile pour un artiste d’émerger seul. Nous produisons des oeuvres que nous n’arrivons pas à vendre. Parfois, on expose les oeuvre mais qui sont minimisées. Il faut aussi signaler qu’il y a parmi nous des brebis galeuses qui sabotent à travers leur comportement, le métier. Je ne cesse d’ailleurs jamais de leur dire chaque fois que j’ai l’occasion qu’on ne devient pas artiste, on naît artiste.

Faites-nous un bilan de vos différentes expositions ?
Je peux vous dire que j’ai exposé un peu partout au Bénin. Mes Å“uvres sont bien connues du public béninois même s’ils sont peu nombreux, les gens qui les achètent. J’ai exposé déjà au Centre Culturel Français (ccf), au Centre Culturel Chinois, au Centre Culturel Finlandais et je suis actuellement en pleine exposition au Centre Culturel Américain. Plusieurs autres lieux tels que « Art artistique Bénin », Bénin-Marina hôtel, Médiathèque des diasporas, Restaurant Chez Monique à Abomey, la mairie de Porto-Novo et chez le premier chancelier du Bénin à Porto-Novo€¦ ont aussi accueillis mes Å“uvres. Dans la sous-région, j’ai participé à des résidences à Lomé, et à Print meeting au Nigeria, j’ai participé encore à une résidence en peinture au Nigeria cette année. J’ai exposé dans la cave de petit Paris au Burkina-Faso. Je suis très sollicité dans la sous-région où mes Å“uvres sont appréciées. Je me rappelle encore mon exposition à Dakar à la salle d’exposition de Léopold Sédar Senghor et au village des arts à grand Yoff. Par ailleurs, j’ai exposé à sainte Anne Marie de Dakar, une école de grande renommée.

Comment liez-vous vos métiers secondaires c’est à dire la sérigraphie, la calligraphie et celui de plasticien ?
La sérigraphie et la calligraphie m’aident beaucoup à joindre les deux bouts.

hadded imen 10271828

L'humour noir de TAPANI KOKKO

2011-06-09T08:50:00.000-07:00

Tapani Kokko : Les Hommes meurent en premier

Les Hommes meurent en premier. L'Institut Finlandais présente une exposition consacrée au sculpteur Tapani Kokko. Né en 1969 en Finlande, Tapani Kokko est un artiste différent, tant dans sa personnalité que dans ses œuvres. Ses inspirations, ludiques, viennent de l’univers de l’enfance.

Depuis les années 1990, il sculpte dans le bois des garçons aux sexes démesurés, touchants et provocants à la fois dans leurs représentations de la puissance de la sexualité masculine. Cela avec une note d’humour noir. On dit que « Pour faire de l’humour, il faut être capable d’observer le monde de loin, afin de sentir ce que les faits et gestes des humains ont de risible ». Ses œuvres reflètent souvent une signification plus profonde avec le sens des enfants et les procédés des enfants. Ses “œuvres se sont tournées vers les réminiscences de l’enfance, la mort, le sentiment de l’insuffisance et la peur de la perte qui jaillissent de la vie de couple et de la paternité.L'important point de ses œuvres est mis sur le dérisoire, le précaire. Comme pour mieux mettre en relief les contradictions du monde dans lequel nous vivons et en révéler l’inextricable complexité… Tout en appelant au mouvement, à la légèreté, au va-et-vient.

On vit dans un état de combinaisons, de rencontre des pensées.on réfléchit sur la vie ou sur autre chose . L'art nous donne le besoin d’exploser, afin d’en générer de nouvelles, en continu. De nouvelles civilisations, de nouvelles époques de nouvelles approches. Car c’est ainsi que nous existons. Nous sommes des mutants.
Telle est ma compréhension des œuvres de Tapani Kokko.

DATE : Du Jeudi 19 Mai 2011 au Vendredi 1 Juillet 2011
LIEU : INSTITUT FINLANDAIS 60 rue de ecoles 75005 Paris
HORAIRE : Mardi de 12h A 20h, Mercredi-Samedi de 12h A 18h
PRIX : GRATUIT

Tao Lili (10275473) ARTS PLASTIQUES l3

Kees Van Dongen

2011-06-08T14:52:00.000-07:00

Un peintre au génie insaisissable. Kees Van Dongen (1877-1968) qui fut « l'artificier du fauvisme » selon la belle expression des commissaires de cette rétrospective (Anita Hopmans et Sophie Krebs, avec la participation de Marianne Sarkari) ne se réduit pas à quelques couleurs éclatantes. Son art puise aux quatre coins d'une tradition en pleine métamorphose, que sa propre peinture a contribué à modifier. Enfant d'une époque qui, d'un siècle, bascula dans un autre, il saisit avec brio les variations de la beauté, avant que son génie, grisé par le succès, ne s'épuise prématurément. L'exposition retrace ce parcours d'un homme qui survécut à son étoile, mais qui sut lui donner des couleurs inouïes.
Ses œuvres, pendant une période sont rebelle, proche des anarchistes, il passe insensiblement de la caricature à la représentation d'une femme fardée, érotisée.

Portrait de Lucie, une mulâtresse qui a inspiré Kees Van Dongen en 1909

Il a créé une série de personnages féminins, exagérés, au corps mince, le visage pâle, les yeux lourds, les lèvres rouge sang, une princesse endormie, à demi-nue, parée de bijoux brillants et de voiles transparents.
Au fil des années, l'énergie de ses couleurs s’est rapidement affaiblie, les gris connaissant quant à eux des changements plus subtils. Ce qui renforce l'illusion naturaliste pour la plus grande satisfaction des spectateurs, sans toutefois remettre en cause le talent du peintre. Avec une totale confiance en lui-même, il a produit pour son propre compte des œuvres désinvoltes mais d’une qualité technique parfaite.

La Danseuse indienne,vers1909-1910 1907 100x81cm
“La Danseuse Indienne" est le tableau que j'aime le plus en raison de la forme exagérée, déformée, allongée du corps de cette danseuse, avec un clair-obscur particulier causé par l’éclairage. Ce style d'interprétation et de l'utilisation de la couleur sont exceptionnels, cette qualité de représentation et ce style de l’artiste se retrouvent dans le fauvisme.
Ce ne serait cependant que la variation d'un orientalisme ravivé par le fauvisme le plus rutilant si la « Danseuse Indienne » ne portait le thème à son paroxysme. La souplesse de ses contorsions et de ses proportions, le torse et le ventre saillants, le cou et la tête renversés en arrière, bras et jambes ondoyants bordés d'un cerne écarlate et chargés de bracelets et de chaînes, la « Danseuse Indienne » s'inspire directement de la sculpture indienne. Que ce soit des déesses aux bras multiples ou, plus vraisemblablement, des figures nouées et ployées des bas-reliefs « célestes » qui célèbrent le plaisir charnel et ont connu la faveur en Occident dès leur découverte.

Musée d’Art moderne de la ville de Paris
11, Avenue Du Président Wilson
75116 Paris

Exposition du 25 mars au 17 juillet 2011

Tao Lili(10275473) ARTS PLASTIQUES L3

2011-06-07T09:57:00.000-07:00

La galerie Les Territoires vous invite à son dernier vernissage de la programmation 2010-2011. Venez célébrer cet événement avec nous!
english will follow
SLOUGH | Alexandra Mainella
DUAL EXISTENCE | Rena Teratanihttp://ih.constantcontact.com/fs079/1103777180713/img/73.jp

g
Vendredi 10 juin au samedi 25 juin 2011
Vernissage : jeudi 9 juin à 18 h
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Alexandra Mainella | SLOUGH
Alexandra Mainella, Slough, faux ongles en plastique
translucide, colle, gel médium, 91,50 x 43 x 40 cm, 2009

Slough est une exposition qui brouille les frontières entre les notions de corps, d'espace et d'objet. L'architecture et l'espace deviennent de la peau et la peau devient architecturale, espace ou paysage. Slough interroge comment l'environnement affecte notre corporalité. Le corps et l'espace sont tous deux sujets à des phénomènes de changements de construction et de reconstruction. Soumis à des anomalies, à des imperfections et à une dégénérescence, ils peuvent aussi être savamment entretenus et travaillés dans un but de perfection et d'acceptation sociale. Lieu d'affirmation culturelle, la peau de ces deux surfaces manifeste des émotions, des expériences, des problèmes et des dialogues. Alexandra Mainella utilise son propre corps et sa propre peau afin de communiquer ce récit à partir de son expérience personnelle.

Artiste Torontoise, Alexandra Mainella étudie présentement à Montréal. Diplômée d'un baccalauréat, avec mention d'excellence, en arts visuels à l'Université de York, elle poursuit actuellement une maîtrise en sculpture à l'Université Concordia. L'artiste a multiplié les expositions à Toronto : Racing Thoughts, une exposition sous jury, pour les finissants en art au Propeller Centre for the Visual Arts, Articulations, une exposition de groupe à la Niagara Gallery et la 13e Annual Juried Graduating Student Exhibition de la Société des sculpteurs du Canada à la Galerie 1313. Ses expositions à Montréal incluent : The Hive, une expostion d'étudiants de la maîtrise en arts, à l'Atelier Jean-Brillant et aujourd'hui Slough, sa première exposition solo, à la galerie Les Territoires.

Rena Teratani | DUAL EXISTENCE

Rena Teratani, Sans titre, encre sur papier, 49 x 21 cm, 2010

Dual Existence illustre les efforts d'une artiste pour comprendre la complexité sociale d'une culture qui n'est pas la sienne. Rena Teratani est originaire d'Osaka au Japon et vit à New York depuis les 15 dernières années. Sa pratique artistique représente ainsi une forme d'exutoire identitaire. Immigrante, elle s'appuie sur sa propre expérience pour aborder les conflits d'appartenance culturelle. Prise entre deux identités, Rena Teratani subit l'angoisse de l'immigration. Elle traduit cette tension par un travail de structuration et de déstructuration de la composition. Dual Existence file la métaphore d'une artiste qui se libère progressivement des conventions et cherche son identité au-delà du cadre.

Rena Teratani est originaire de Osaka au Japon et a grandi à New York où elle vit actuellement. Elle est diplômée d'un baccalauréat avec mention d'excellence en arts visuels de Purchase Univeristy. Teratani a participé à plusieurs expositions de groupes à New York en 2011 dont Art X Women présentée par Kris Graves Projects à la Affordable Art Fair et 100 Artist Exhibition à l'Ouchi Gallery. Dual Existence marque sa première exposition individuelle
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Exposition d’arts plastiques : Paris, les artistes des 9e et 18e à l’honneur du 10Les artistes des 9e et 18e arrondissements seront à l’honneur du 10 au 13 juin Le Collectif des riverains des boulevards de Clichy Rochechouart dans les 9e & 18e arrondissements, est une Association pour la promotion, la défense et le partage des boulevards célèbres du bas Montmartre à Paris. Présentation générale Pour la troisième année consécutive, le Collectif des riverains des boulevards Rochechouart Clichy, organise dans le cadre remarquable des parloirs et des galeries du lycée Jacques Decour, Avenue Trudaine, 75009, une édition de l’exposition du Collectif des Arts. Elle présentera les œuvres d’artistes des quartiers des 9ème et 18ème arrondissements de Paris et se déroulera du vendredi 10 juin 17 heures au lundi 13 juin 18 heures. Le collectif des arts des Boulevards Rochechouart Clichy Né au pied de Montmartre, le Collectif des Arts parle d’un lieu dont la fécondité créatrice dans toutes les disciplines artistiques n’est plus à démontrer. Riche de l’activité locale passée des plus grands maîtres que la toponymie atteste encore, que les plaques commémoratives fixées sur les façades d’immeuble évoquent, que les « pelles historiques Starck » décrivent précisément. Riche des créations actuelles, réalisées dans la fidélité aux 7 muses, honorant la tradition des spectacles et concerts, explorant de nouvelles formes d’art. Riche enfin d’une sensibilité artistique répandue allant jusqu’à l’engouement. Comment expliquer ce foisonnement ? Est-ce que ce lieu attire les artistes ? Est-ce que ce lieu fait éclore les talents ? Traduction symbolique de tout ce qui sous-tend la culture d’une époque, la création actuelle s’inscrit très généralement dans une idéologie marchande qui a su construire son organisation autour de salons, expositions, ventes et enchères internationales. Quelle place pourrait y revendiquer une association de quartier avec son animation locale du «Collectif des Arts 9&18», organisée pour la troisième fois ?…. Quelle légitimité accorder à quelques bénévoles même talentueux, à côté d’institutions de renommée mondiale ? La création artistique fait partie intégrante de la vie ordinaire de nos quartiers montmartrois. Il est bien naturel que l’animation locale rende compte d’une activité si marquante, et mette en lumière des œuvres confinées dans un anonymat trompeur, quand elles méritent d’être mises en scène et présentées au plus large public dans une exposition originale. Son projet Le Collectif des Arts 9&18 s’inscrit dans cette démarche. Pendant toute la durée de cette exposition, les artistes sont présents. Ils exposent leurs intentions, partagent leurs expériences, leur technicité, expliquent leurs projets. Les visiteurs accèdent ainsi aux œuvres comme au processus de leur création. La diversité des créations exposées dans de multiples expressions artistiques, styles et matériaux, donne à chacun l’occasion de rencontrer un objet dont le langage ne lui est pas inconnu, de se laisser aller à l’émotion que procure la perception esthétique. Chaque artiste a la chance de rencontrer un public, et participe à la pédagogie de la compréhension de son œuvre, à la traduction de son langage intime. Dans le concert global, cette manifestation particulière du Collectif des Arts 9&18 assume un rôle efficace de témoin et de promoteur d’une production locale qui mérite vraiment d’être connue et reconnue. Car c’est la même démarche artistique qui anime tous les créateurs, célèbres ou inconnus, maîtres incontestés ou amateurs éclairés. C’est la même admiration qui enthousiasme les spectateurs devant le travail, la maîtrise technique, l’intention artistique. Après le succès de la deuxième édition de MAI 2010 Encouragé par le succès de la première exposition du « Collectif des Arts 9&18 » en 2009, les Riverains des boulevards Rochechouart et Clichy, ont lancé dès l’année suivante une nouvelle édition. Animés de la même conviction, fort de la confiance des artistes du quartier et du soutien de leurs partenaires, la mairie du 9ème et l’équipe de direction du Lycée Decour, les riverains décident d’étendre la manifestation à l’ensemble des galeries du lycée pour présenter un plus grand nombre d’œuvres dans ce superbe environnement. Préparatifs Les mois d’hiver ont été consacrés aux appels à candidature auprès d’artistes, à la sélection des œuvres, puis à leur mise en scène pour préparer cette exposition dans les parloirs et galeries. La promotion de l’évènement progresse en parallèle : journaux locaux et nationaux, sites internet d’annonces d’évènements, revues spécialisées sont contactés. Un communiqué n’est jamais acquis d’avance et les résultats sont contrastés. La diffusion locale reste donc privilégiée, avec une attention particulière pour les galeristes les plus proches qui ont été destinataires des dossiers de presse et du catalogue de l’exposition précédente. Déroulement Le week-end d’exposition approchant, personne ne peut prédire l’influence qu’aura le long week-end du 8 mai sur sa fréquentation. Le vernissage présente alors 145 œuvres de 45 artistes aux techniques et travaux volontairement très divers : peintres, aquarellistes, photographes, graveurs, sculpteurs, mosaïstes. Matériaux traditionnels, inventions inédites se disputent la vedette dans un cadre à lui seul remarquable. Dans les galeries, la lumière naturelle sert particulièrement la perception des œuvres. MM Bravo maire du 9ème et Roussel Proviseur du Lycée, ont honoré la première visite. Puis tout au long des trois jours, de nombreux autres visiteurs sont passés à leur tour : habitants des quartiers, familiers des exposants, lycéens, anciens élèves, simples curieux. L’intérêt du public n’a pas faibli et le nombre final de visiteurs – plus de 1600 – égalera celui de l’édition précédente déjà très important. Vers une nouvelle dimension pour l’édition 2011. Dès sa deuxième édition, cette exposition était devenue un évènement local. Une nouvelle étape commence pour qu’elle devienne dès 2011 un évènement au 13 juin

2011-06-07T09:28:00.000-07:00

Les artistes des 9^e et 18^e arrondissements seront à l’honneur
du 10 au 13 juin
Le Collectif des riverains des boulevards de Clichy Rochechouart
dans les 9^e & 18^earrondissements, est une Association pour la promotion, la défense
et le partage des boulevards célèbres du bas Montmartre à Paris.

Présentation générale
Pour la troisième année consécutive, le Collectif des riverains des boulevards Rochechouart Clichy, organise dans le cadre remarquable des parloirs et des galeries du lycée Jacques Decour, Avenue Trudaine, 75009, une édition de l’exposition du Collectif des Arts. Elle présentera les œuvres d’artistes des quartiers des 9^ème et 18^ème arrondissements de Paris et se déroulera du vendredi 10 juin 17 heures au lundi 13 juin 18 heures.
Le collectif des arts des Boulevards Rochechouart Clichy
Né au pied de Montmartre, le Collectif des Arts parle d’un lieu dont la fécondité créatrice dans toutes les disciplines artistiques n’est plus à démontrer. Riche de l’activité locale passée des plus grands maîtres que la toponymie atteste encore, que les plaques commémoratives fixées sur les façades d’immeuble évoquent, que les « pelles historiques Starck » décrivent précisément. Riche des créations actuelles, réalisées dans la fidélité aux 7 muses, honorant la tradition des spectacles et concerts, explorant de nouvelles formes d’art. Riche enfin d’une sensibilité artistique répandue allant jusqu’à l’engouement. Comment expliquer ce foisonnement ? Est-ce que ce lieu attire les artistes ? Est-ce que ce lieu fait éclore les talents ?
Traduction symbolique de tout ce qui sous-tend la culture d’une époque, la création actuelle s’inscrit très généralement dans une idéologie marchande qui a su construire son organisation autour de salons, expositions, ventes et enchères internationales. Quelle place pourrait y revendiquer une association de quartier avec son animation locale du «Collectif des Arts 9&18», organisée pour la troisième fois ?…. Quelle légitimité accorder à quelques bénévoles même talentueux, à côté d’institutions de renommée mondiale ?
La création artistique fait partie intégrante de la vie ordinaire de nos quartiers montmartrois. Il est bien naturel que l’animation locale rende compte d’une activité si marquante, et mette en lumière des œuvres confinées dans un anonymat trompeur, quand elles méritent d’être mises en scène et présentées au plus large public dans une exposition originale.

Son projet
Le Collectif des Arts 9&18 s’inscrit dans cette démarche. Pendant toute la durée de cette exposition, les artistes sont présents. Ils exposent leurs intentions, partagent leurs expériences, leur technicité, expliquent leurs projets. Les visiteurs accèdent ainsi aux œuvres comme au processus de leur création. La diversité des créations exposées dans de multiples expressions artistiques, styles et matériaux, donne à chacun l’occasion de rencontrer un objet dont le langage ne lui est pas inconnu, de se laisser aller à l’émotion que procure la perception esthétique. Chaque artiste a la chance de rencontrer un public, et participe à la pédagogie de la compréhension de son œuvre, à la traduction de son langage intime.
Dans le concert global, cette manifestation particulière du Collectif des Arts 9&18 assume un rôle efficace de témoin et de promoteur d’une production locale qui mérite vraiment d’être connue et reconnue. Car c’est la même démarche artistique qui anime tous les créateurs, célèbres ou inconnus, maîtres incontestés ou amateurs éclairés. C’est la même admiration qui enthousiasme les spectateurs devant le travail, la maîtrise technique, l’intention artistique.

Après le succès de la deuxième édition de MAI 2010
Encouragé par le succès de la première exposition du « Collectif des Arts 9&18 » en 2009, les Riverains des boulevards Rochechouart et Clichy, ont lancé dès l’année suivante une nouvelle édition. Animés de la même conviction, fort de la confiance des artistes du quartier et du soutien de leurs partenaires, la mairie du 9^ème et l’équipe de direction du Lycée Decour, les riverains décident d’étendre la manifestation à l’ensemble des galeries du lycée pour présenter un plus grand nombre d’œuvres dans ce superbe environnement.

Préparatifs
Les mois d’hiver ont été consacrés aux appels à candidature auprès d’artistes, à la sélection des œuvres, puis à leur mise en scène pour préparer cette exposition dans les parloirs et galeries.
La promotion de l’évènement progresse en parallèle : journaux locaux et nationaux, sites internet d’annonces d’évènements, revues spécialisées sont contactés. Un communiqué n’est jamais acquis d’avance et les résultats sont contrastés. La diffusion locale reste donc privilégiée, avec une attention particulière pour les galeristes les plus proches qui ont été destinataires des dossiers de presse et du catalogue de l’exposition précédente.

Déroulement
Le week-end d’exposition approchant, personne ne peut prédire l’influence qu’aura le long week-end du 8 mai sur sa fréquentation. Le vernissage présente alors 145 œuvres de 45 artistes aux techniques et travaux volontairement très divers : peintres, aquarellistes, photographes, graveurs, sculpteurs, mosaïstes. Matériaux traditionnels, inventions inédites se disputent la vedette dans un cadre à lui seul remarquable. Dans les galeries, la lumière naturelle sert particulièrement la perception des œuvres.
MM Bravo maire du 9^ème et Roussel Proviseur du Lycée, ont honoré la première visite. Puis tout au long des trois jours, de nombreux autres visiteurs sont passés à leur tour : habitants des quartiers, familiers des exposants, lycéens, anciens élèves, simples curieux. L’intérêt du public n’a pas faibli et le nombre final de visiteurs – plus de 1600 – égalera celui de l’édition précédente déjà très important.

Vers une nouvelle dimension pour l’édition 2011.
Dès sa deuxième édition, cette exposition était devenue un évènement local. Une nouvelle étape commence pour qu’elle devienne dès 2011 un évènement
hadded imen 10271828

2011-05-26T14:46:00.000-07:00

Tony Cragg au Louvre: exposition prolongée

Tony Cragg expose neuf sculptures au Louvre, à l'occasion de l'exposition de l'Allemand Franz Xaver Messerschmidt

Le sculpteur anglais a investi la cour Marly et la cour Puget, où sont exposées les collections de sculpture française des XVIe et XVIIe siècle.
Une de ses oeuvres est par ailleurs installée au coeur même de la pyramide (exposition prolongée jusqu'au 4 juin)

Tony Cragg, Elbow, 2008, Grâce au soutien de Maybach, Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Paris / Salzburg
Photographie : Antoine Mongodin / musée du Louvre 2011 - ADAGP 2010

Versus, une sculpture de bois rouge, a été posée sur la colonne centrale de la pyramide, à un endroit qui avait été conçu pour accueillir une œuvre contemporaine. Constituée de strates palpitantes, cette œuvre est une « forme énergétique », selon l’artiste, Du bas, elle projette sa forme rouge sur le ciel bleu. Au niveau de la cour, elle est entourée des eaux du bassin.

De couleurs, de tailles et de matières différentes, six sculptures récentes de Tony Cragg dialoguent dans la cour Marly avec les sculptures classiques françaises. Elles présentent des formes mouvantes quand on tourne autour.

Le zigzag Elbow, comme un nuage de couleur claire, s’intègre parfaitement dans le décor de pierre.

Comment exprimer l’énergie d’un corps ? C’est, pour le sculpteur, une préoccupation de la sculpture. Il semble avoir réussi avec Runner (2009), double zigzag dont les éléments alternent.

Pour dire la dynamique du corps, Tony Cragg explique qu’il part de l’intérieur et qu’il ajoute des « couches successives », citant son Manipulation (2008), sorte d’énorme poulpe de bronze noir.
En 2008, Tony Cragg avait présenté au Belvédère à Vienne des sculptures dont le point de départ était des visages, en dialogue avec les têtes de Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783). C’est à l’occasion d’une exposition Messerschmidt aussi qu’il expose au Louvre.

Dans la cour Puget, il présente deux œuvres d’acier ajouré, une tête posée à terre (Sharing) et une grande figure, Ferryman, constituée de l’enroulement d’un tube « transparent ». Avec cette dernière œuvre, l’artiste voulait « que le regard crève la surface : ce sont les formes internes qui créent les formes externes ».
Les têtes de caractère de Messerschmidt
Le Louvre présente 21 des 49 têtes connues du sculpteur allemand Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783).

Ce portraitiste né en Bavière, a commencé à sculpter des têtes en 1771 à Vienne. Il y réalise des bustes du couple impérial et de personnalités des Lumières viennoises. Mais, souffrant de troubles psychiatriques, il est exclu de l’Académie des Beaux-Arts.

Messerschmidt se met à créer ses fameuses « têtes de caractère », à travers lesquelles il décrit toutes les expressions humaines possibles : L’homme qui pleure comme un enfant, Un vieux soldat grincheux, Le doux sommeil paisible. Mélange d’hyperréalisme et d’expressionnisme, ces têtes ont été baptisées après sa mort. L’une bâille, une autre rit sournoisement, une autre encore, crispée, « souffre de constipation ».

Comme pour exorciser ses angoisses, l’artiste se met devant un miroir et se pince, pour saisir ses propres grimaces.

Les têtes de caractère de Messerschmidt sont parfois créées en série, avec des différences quasi imperceptibles. Elles n’ont jamais été vendues, malgré les offres généreuses qu’on lui a faites. Elles l’ont accompagné tout le long de sa carrière, alors qu’il continuait ses portraits de commande.

Tony Cragg, Figure Out/Figure In, Musée du Louvre, Pyramide et aile Richelieu, Cour Marly et Cour Puget,
Franz Xaver Messerschmidt, Aile Richelieu
Tous les jours sauf mardi: 9h-18h
nocturnes mercredi et vendredi jusqu'à 22h
Accès avec le billet d'entrée du musée, 10€, gratuit pour les moins de 18 ansl'exposition est prolongée jusqu'au 4 juin

LIU jiejing 10277114

Edouard Manet et la modernité au Musée d'Orsay

2011-05-26T13:38:00.000-07:00

Le Torero mort, 1864-1865 Huile sur toile Washington, The National Gallery of Art
© Widener Collection, Image courtesy National Gallery of Art, Washington

Dans cette exposition, Édouard Manet présente 84 œuvres.

Édouard Manet est né le 23 Janvier 1832 à Paris.il est un peintre français majeur de la fin du 19ème siècle. Il est un peintre d’histoire, mais il est surtout considéré comme le père de l’impressionnisme, mais n’a jamais participé à des expositions sur ce mouvement. Il décline même une invitation à la première exposition impressionniste de 1874.Manet n’est pas insensible à la façon de peindre des jeunes artistes qu’il fréquente : sa touche se fait plus claire et sa façon de faire scintiller la mer fait forcément penser à leur nouvelle façon de peindre. Un Bateau en mer, soleil couchant est comme un clin d’œil à Monet, qu’il connaît bien. Il a été influencé par les peintures de Monet, Van Gogh, Cézanne ainsi que de nombreux artistes émergents. Manet a lui aussi influencé des artistes avec son style de peinture en Espagne et au Japon. Il utilise des couleurs claires et abandonne les couleurs sombres.

Dans les années 1870-1880, il s’intéresse à la société de son époque, des brasseries au beau monde, « la Serveuse de bocks », des femmes élégantes dans des robes blanches froufroutantes, au milieu des fleurs et de la verdure. L’intérêt de ce républicain convaincu pour l’actualité politique se retrouve aussi dans son art.

Édouard Manet Amazone / l'été, 1882 Huile sur toile, 74 x 52 cm Madrid, Fondation Thyssen-Bornemisza© Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Édouard Manet Le fifre, 1866 Huile sur toile, 1,61 x 0,97 m. Paris, Musée d'Orsay© Musée d'Orsay

Manet, inventeur du moderne, Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'honneur, 75007 Paris
tous les jours sauf lundi, 9h30-18h, le jeudi jusqu'à 21h45 et soirées exceptionnelles les samedis jusqu'à 20h
Tarifs: 10€ / 7,5€

SHU Chen L3 Arts Plastiques N d'etudiant 10272864

2011-05-26T01:30:00.000-07:00

Van Dongen au Musée d'art moderne

Le Musée d'art moderne de la Ville de Paris expose Kees Van Dongen, fauve néerlandais et figure de l'art moderne

Avant la première guerre, Van Dongen expérimente ses couleurs à Montmartre puis à Montparnasse, où il fréquente l'avant-garde artistique, de Derain à Picasso. Il sera ensuite le portraitiste des années folles.

110 peintures, dessins et céramiques sont exposées au Musée d'art moderne jusqu'au 17 juillet 2011.

Le Chapeau rose, 1907 © Musée Fabre de Montpellier, photo Frédéric Jaulmes © ADAGP, Paris, 2011

Kees Van Dongen Le Sphinx, 1925 © Musée d'Art Moderne de la ville de Paris/Roger-Viollet © ADAGP, Paris 2011

L'exposition s'est concentrée sur la période 1895-1931, la "bonne période de l'artiste", selon Sophie Krebs, co-commissaire de l'exposition. Sa créativité est alors au mieux, alors que, plus tard, Van Dongen a eu tendance à se répéter, se limitant à des portraits mondains.
Kees Van Dongen (1877-1968) est né dans une famille de la petite bourgeoisie et grandit dans un faubourg de Rotterdam. Son père dirige une malterie. Il fait des études artistiques et fréquente les cercles anarchistes et symbolistes. Il va pour la première fois à Paris en 1897 et s’y installe définitivement deux ans plus tard.

Au tournant du siècle, Van Dongen peint dans un style impressionniste le Sacré Cœur, le matin, dans une brume rose et jaune pâle, ou sous un grand ciel laiteux. Puis, sous l’influence de Signac, il peint des paysages pointillistes.

A partir de 1905, Van Dongen fréquente le Bateau-Lavoir, rencontre Derain et Vlaminck. Son style change, il se met à souligner ses figures d’un trait bleu ou rouge. Voisin de Pablo Picasso, il peint la compagne de l’artiste espagnol Fernande Olivier nue, un drap tenu sur la poitrine, l’œil dessiné d’un seul trait épais et la peau éclatant dans des teintes jaune, vert, rose.

Modjesko, un chanteur soprano travesti, saisi dans une lumière artificielle, est représenté dans des couleurs extravagantes : sa peau jaune vif est soulignée d’un trait rouge.

En 1910 Van Dongen voyage en Espagne et au Maroc où ses couleurs deviennent encore plus éclatantes. Il peint des femmes aux châles sophistiqués, des filles à la peau rouge et aux grands yeux soulignés de kohl.

Van Dongen, Fauve, anarchiste et mondain, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11, avenue du Président Wilson; 75116 Paris, 01 53 67 40 00
Tous les jours sauf lundi et jours fériés, 10h-18, nocturne le jeudi jusqu'à 22h
tarifs: 10€ / 7,5€ /5€ (gratuit pour les moins de 14 ans)
du 25 mars au 17 juillet 2011

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LIU jiejing 10277114

exposition de marc trivier

2011-05-25T20:15:00.000-07:00

Exposition de Marc Trivier, photographies de 1980 à 2010.

L'oeuvre du photographe belge Marc Trivier fait l'objet d'une rétrospective à la Maison européenne de la photographie. Une centaine de ses photos y sont exposées, parmi lesquelles des portraits d'artistes ou d'aliénés côtoient de saisissantes images d'arbres et d'animaux.

Le photographe Marc Trivier est encore trop peu connu en France. Né en Belgique en 1960, il a pourtant été remarqué dès les années 1980 pour ses portraits d'écrivains et d'artistes.

On lui doit une impressionnante série de portraits : Michel Foucault, Nathalie Sarraute, Francis Bacon, Samuel Beckett... ou encore le portrait plus récent du poète palestinien Mahmoud Darwich, en 2008.

Pour réaliser ces portraits, le photographe suit toujours le même protocole : il fait généralement poser ses modèles chez eux, assis face à l'objectif. Au final, ses images en noir et blanc et en format carré sont toujours frappantes et dépouillées de tout artifice.

Par ailleurs, Marc Trivier a réalisé des portraits de patients d'hôpitaux psychiatriques, sans aucune mise en scène, aucun effet de lumière ou aucune dramatisation particulière. Il a aussi photographié comme s'il s'agissait de portraits des arbres solitaires et des animaux promis à l'abattoir.

Lorsque j’ai vu ses œuvres, j’ai constaté qu’il essaye souvent de représenter des traits irisés de visages, dans l’aplat grisâtre d’une main isolée. Il y a des lumières blanches sur fond très blanc, ou des jeux de lumière sont souvent utilisés.

C’est la première fois que je visite son exposition. Il fait de la photographie il y a 35 ans. Ses œuvres se centrent sur les incidents du quotidien, il met en scène le hasard et le paradoxe. Je pense que chez cet artiste, les frontières entre l’objet d’art et l’environnement du quotidien sont délibérément brouillées, que l’art et la réalité sont volontairement mélangés.

La Maison européenne de la photographie présente

du 9 février au 3 avril 2011

SHU Chen L3 Arts Plastiques N d'etudiant 10272864

Dans Un Monde Imaginaire

2011-05-25T13:15:00.000-07:00

Je veux vous présenter une artiste qui j'aime beaucoup :

Rebecca Dautremer.

Rebecca une illustratrice française. J’ai fait sa connaissance quand je suis arrivée en France, il y a deux ans. Je sortais de l’école de langue française, je marchais dans la rue lorsque, tout à coup, un livre dans un magasin m'a attirée. C’était un livre d’illustrations de « Cyrano » et ce fut le premier livre je j’ai acheté ici.

Je suis allée au Salon Livre et Presse Jeunesse 2010, parce que Rebecca Dautremer était présente pour rencontrer ses admirateurs. Mais, ce qui était dommage, c’est qu’à cause de l’affluence, je n'ai pas pu obtenir la dédicace de ce livre.

L'histoire de Cyrano de Bergerac a été adaptée pour les enfants avec les magnifiques illustrations de Rebecca Dautremer. Elle a signé d’autres livres d'illustrations："L’Amoureux"，"Une Petite Princesse"，"Journal Secret du Petit Poucet"，"Kérity""Alice au pays des Merveilles"......

Le style de dessins de Rebecca Dautremer est exquis et délicat, la couleur est pimpante, la nuance, unifiée. A ses débuts, elle a faisait des illustrations pour des enfants. Imprévisible, son public est aujourd’hui constitué de grandes personnes. Ses dessins nous donnent un sentiment nostalgique, mélangé à une touche d’humour. Elle excelle dans l’art de raconter des histoires sous des angles différents.

En plus de l'illustration jeunesse, Rebecca Dautremer travaille ponctuellement pour la publicité (parfums Kenzo)

C'est une créatrice d'un monde pur. C'est un moment exquis quand je regarde ses illustrations et j'espère partager ce sentiment avec le plus grand nombre de personnes.

Biographie de Rebbecca Dautremer[]

Passionnée par la photographie, elle se tourne d'abord vers le design et le graphisme en suivant des cours dans les années 1990 en atelier préparatoire, puis à l'ENSAD de Paris où elle entame le cursus "Graphisme".

C'est pendant ces études que Rébecca Dautremer commence à travailler en tant qu'illustratrice pour la maison d'édition Gautier-Languereau, où elle effectue de petits travaux tels que la création de coloriages ou de décalcomanies.

Dès sa sortie de l'école, en 1995, la maison d'édition Gautier-Languereau lui confie l'illustration d'un premier album, puis d'un second...

En parallèle, Rebecca Dautremer commence à travailler pour d'autres éditeurs, et gagne peu à peu en notoriété.

C'est à partir de 2003, avec l'album "l'Amoureux" qu'elle commence à développer son style, mais c'est grâce à la sortie de "Princesses oubliées ou inconnues" en 2004, que Rébecca Dautremer se fait réellement connaître.

Elle est l'épouse de Taï-Marc Le Thanh, auteur de plusieurs ouvrages qu'elle a illustrés

Site Officiel:

http://www.rebeccadautremer.com/

Tao Lili L3 Arts Plastiques (10275473)

Grand Objet au Grand Palais

2011-05-25T09:47:00.000-07:00

MONUMENTA marque le retour d’Anish Kapoor à Paris, trente ans après sa première exposition dans la capitale. C'est une vraiment une merveilleuse exposition.

Lorsque l’on entre dans la première partie de l’œuvre monumentale d’Anish Kapoor, l’impression est celle d’une sculpture monumentale au profil aérodynamique. Une succession d'ombres et de lumière rouge s'entrecroisent et donnent un sentiment impressionnant d'ombres dans un plan structural d'architecture en trois dimensions. On se sent comme dans un rêve surréaliste.

En entrant dans la seconde porte, on peut voir toute l’extérieur de la sculpture, des grands objets simplifiés, des lignes simples et puissantes. Comme des aubergines géantes, en comparaison avec les visiteurs qui marchent autour, tellement petits. A travers le toit transparent du Grand Palais, les effets de son œuvre sont différents tous les jours en fonction des changements de lumière aux divers moments de la journée, ce qui modifie la perception des spectateurs tous les jours. Vous souvenez-vous du succès populaire du Cloud Gate de Chicago ? Ce nuage monumental, comme un miroir qui reflète les immeubles de la place à la manière de l’objectif grand-angle d'un appareil-photo.

On pourrait dire: « si ton cœur assez grand, il peut contenir tout le monde ». L'auteur de cette grande œuvre est Anish Kapoor, qui est véritablement l’un des plus importants sculpteurs d’aujourd’hui. Son travail a profondément renouvelé l’étendue des possibilités de la sculpture contemporaine, tant par sa maîtrise de l’échelle monumentale que par la sensualité colorée et l’apparente simplicité qui se dégagent de ses œuvres. Celles-ci contribuent à la fascination qu’elles exercent sur tous les publics comme le montre cette exposition.

L'œuvre qu'il a posé pour MONUMENTA est décrite ainsi par l'artiste: « Un seul objet, une seule forme, une seule couleur ». Il ajoute « Mon ambition est de créer un espace dans l'espace qui réponde à la hauteur et la lumière de la Nef du Grand Palais. Les visiteurs seront invités à entrer dans l'œuvre, à s'immerger dans la couleur et ce sera, je l'espère, une expérience contemplative et poétique ».

MONUMENTA 2011

Anish Kapoor

au Grand Palais

du 11 mai au 23 juin 2011

Tao Lili L3 Arts Plastiques N d'etudiant 10275473

MY WAY

2011-05-24T18:45:00.000-07:00

Jean-michel othoniel

2 mars-23 mai 2011

MY WAY, première rétrospective consacrée a Jean-Michel Othoniel, retrace son parcours de 1986 à aujourd’hui, avec un ensemble inédit de quatre-vingts œuvres. Le titre de l’exposition provient d’une chanson interprétée par Frank Sinatra, qui fait écho au chemin solitaire et singulier emprunté par Othoniel à la confluence des différents mouvements de l’art d’aujourd'hui.

Jean-Michel Othoniel, né en 1964 à Saint-Étienne, fait ses études à Cergy dont il est diplômé de l’école nationale supérieure d’arts en 1988 avant d’être pensionnaire de la Villa Médicis à Rome en 1996. Artiste nomade, il aime parcourir le monde à la recherche de nouvelles techniques. C’est dans l’Italie des années 1990, qu’il à découvert l’obsidienne. Le mythe raconte qu’une fois poli, ce verre noir est le miroir de l’âme. Cette rencontre marque un tournant décisif de sa carrière. L’œil est bercé aux couleurs et aux contours d’un monde imaginaire immémorial, empruntant son répertoire iconographique à l’enfance, aux récits chevaleresques, fantastiques, mythologiques. « Entre légèreté et féerie, Jean-Michel Othoniel crée un monde dans lequel le temps est arrêté », dira la commissaire de l’exposition Catherine Grenier.

le bateau de larmes,bateau,verre de murano metal

Jean-Michel Othoniel, Le Noeud de Lacan ,

2009 Verre miroite,metal

SHU Chen L3 Arts Plastiques N d'etudiant 10272864

Cinq Etranges Albums De Famille

2011-05-24T17:47:00.000-07:00

Cinq étranges Albums de Famille

Exposés au BAL du 14.01.2011 au 17.04.2011

Cette exposition est très amusante parce qu’il y a cinq étranges albums de famille.

Cinq artistes pris au jeu d’une exploration ambiguë et risquée de leur histoire familiale.

Cinq récits qui dissèquent les rites à la fois merveilleux et douloureux de l’adolescence, du couple et de la famille.

Cinq portes ouvertes et aussitôt refermées.

Cinq terrains connus, innocents, fusionnels, et pourtant frappés de l’étrange.

A Premiere vue,les photographies les plus limpides semblaient les plus etranges

-1965.1973- Emmet Gowin

Ne en 1941, il porte le nom et le prénom de son père, il est dans une famille de pasteur, en Virginie du Sud, la famille d’Édith, sa femme rencontrée en 1964, vit recluse à Danville, Virginie. Enfants, objets, tantes, oncles, cousines, parents apparaissent dans des mises en scène symboliques, des atmosphères inquiétantes, fantomatiques. Ses photographies semblent capter un moment de possible basculement. Celui où l’univers clos de la famille pourrait devenir le lieu de sa propre folie.

L’album de famille de lucybelle crater

-1970.1972-

Ralph eugene meatyard

Le week-end, il photographiait ses enfants et sa femme dans mises en scène symboliques, souvent dans des lieux abandonnés.son œuvre inclassable est dominée par l’idée de révélation.

My sister

-2003- Erik kessels

My Sister semble, à première vue, un banal film amateur, tourne en super 8 dans les tonalités chaudes des années 70,la scène et idyllique et rien ne semble pouvoir la troubler.

les aventures de guille et belinda et le sens enigmatique de leurs reves

Alessandra Sanguinetti (1999-2010)

Il a photographié deux amies afin de raconter leurs histoires de 1999 jusqu’à 2010.Un film a été réalisé pour raconter l’histoire de leurs familles en 1999…quand elles sont 2 jeunes filles. Après les photos racontent sa vie pendant 10ans. Au début, les fillettes ont une dizaine d’années. Peu à peu, elles entrent dans le cadre de photographies, images fixes et grandissantes. On les voit terminer leur enfance, les signes de l’avenir pointent à leur insu. Elles ont 12, 15, 20 ans, se marient, allaitent, cessent de jouer, mais continuent de rêver. Certaines images sont prises sur le vif su quotidien, une douche dans une bassine en extérieur, une fête de village. D’autres sont construites, mises en scène, comme celle où les deux fillettes sont enterrées jusqu’au visage. Les cousines ne sont jamais sorties de leur village et ne le quitteront sûrement pas. Elles s’ancrent dans la terre et continuent leurs vies.

Une exposition à voir jusqu’au 17 avril 2011 au BAL

6, impasse de la Défense

75018 Paris

www.le-bal.fr

SHU Chen L3 Arts Plastiques N d'etudiant 10272864

« Soyez artiste, soyez créatif »

2011-05-19T08:51:00.000-07:00

Dans une (nouvelle) tentative de définition de « qu’est-ce que l’artiste ? », je poserai à mon tour une question : Artiste, est-ce être créatif ?

Pour tenter d’apporter un élément de réponse à celle-ci, commençons par définir le terme de « créatif », et ce, à travers des termes qui lui sont annexes. Tout d’abord, « créativité » : capacité ou qualité par laquelle on aboutit à l’action de créer. Ensuite, « création » : chose issue de l’action de créer, autrement dit la chose créée. Peut aussi être considéré comme l’idée même du processus conduisant à créer. Mais peu importe. « Être créatif », apparaît dès lors comme le fait d’avoir la faculté ou la capacité de créer quelque chose, d’aboutir à une création. De fait, Artiste, est-ce être créatif ? Oui, certainement. On songe aisément à ces consignes lors des concours d’entrée aux écoles d’art (ou autres concours artistiques), où le seul mot d’ordre, formulé ou non, semble être : « Soyez créatif !» ou bien « Soyez original ! ». Suffit également de voir les lettres de motivation destinées à ces mêmes écoles d’art, où le leitmotiv même des gens voulant y entrer est : « créatif, créativité, création ». Voire « originalité ». Une ritournelle en soi. Bien que je ne comprenne pas trop le rapprochement entre créativité et originalité, « être créatif » semble vouloir signifier dans bien des cas « être original ». Enfin, hormis de poser la question « est-ce qu’artiste c’est être original ? », cela n’apporterait pas beaucoup de poursuivre ce rapprochement ou non-rapprochement, si ce n’est pour dire que l’idée même d’être créatif, est difficile à définir en soi. Poursuivons donc, en restant sur la définition établie plus haut. Une autre question me vient alors est : peut-on être artiste sans être créatif ? Au premier abord, ça me paraît difficile. Ou alors, c’est un artiste qui a perdu sa créativité, mais qui a, par conséquent, fait preuve de celle-ci auparavant. Le syndrome de la page blanche peut-être, voire une leucosélophobie qui empêcherait de produire quoique ce soit. Et puis, une autre question me vient : peut-on être créatif sans être artiste ? Oui ! Prenons un exemple : les gens de la publicité inventent parfois des choses ou ont des idées surprenantes, tout comme ils peuvent créer des concepts (publicitaires). Sont-ils artistes pour autant? Non. Ils le disent, voire le revendiquent, eux-mêmes : ils ne sont pas artistes et ne tiennent, bien souvent, pas à être considérés comme tel. L’idée est : « nous sommes créatifs, mais nous ne sommes pas artistes » ; alors même que des gens peuvent le penser. Pourquoi ? Parce que, comme en art, la créativité est dominante. Nous pourrions citer plein d’autres exemples et domaines où la créativité est amenée à s’exprimer : communication, édition, graphisme, design, parfois même au sein de l’entreprise lambda, à travers la secrétaire qui organise de nouveaux graphiques en choisissant telle ou telles formes et couleurs (même si là, ce serait très discutable). L’on pourrait ainsi voir dans le fait d’être créatif, la manifestation d’une certaine qualité artistique, plutôt qu’un critère unique et déterminant en soi, d’autant plus que la créativité ne conduit pas forcément à produire un objet qui serait considéré comme de l’art.

Il faut alors considérer le fait « d’être créatif » comme une des qualités, du moins capacités, de l’artiste. Capacité, qui ne permettrait pas de définir à elle seule et en elle-même ce qu’est l’artiste. Elle serait en cela un élément de réponse à inclure dans la définition de l’artiste. Autrement dit, la définition de l’artiste serait : « Artiste : n. Personne créative, plus ou moins exubérante… » ; voilà où j’en suis. Vous l’aurais compris, tout ceci est (encore) loin d’être exhaustif.

- Baudriand -

2011-05-18T16:01:00.000-07:00

Fabien Hérelle

Né en 1981 à Fontenay-sous-Bois, Fabien Hérelle vit et travaille à Paris.

Jeune diplômé des Beaux-arts de Paris, ancien pensionnaire de la prestigieuse Casa Vélasquez à Madrid, Fabien Hérelle impressionne par son style réaliste et minutieux, et sa sensibilité qui lui permet d'ouvrir avec art et humour sa boîte de Pandore.

Du haut de ses 28 ans, il épate par la maturité de son dessin avec ses sujets candides, grotesques absurde ou irrévérencieux tout droit sortis de l'enfance. Si le jeune artiste a une obsession quasi maniaque du détail, c'est la précision de son trait renforcé par l'emploi de l'encre de chine noire qui impressionne le plus. En 2002, Fabien part à la découverte de la Chine. Grâce à une bouse d'échange, il va pouvoir séjourner quatre mois à l'Académie des Beaux-arts et faire la connaissance d'un maître chinois qui l'invite à une vision, plus intime et subtile de la réalité.

Plusieurs étés à travailler dans des centres de loisir, lui ont permis de constituer un réservoir de souvenirs, de longuement écouter et observer.

De ces échanges, il apprend à retoucher ses dessins d'enfance, conservés précieusement dans les tiroirs d'un vieux meuble familial.

Il se réapproprie ses croquis et y incorpore de nouveaux personnages, afin de détourner avec humour le sujet et le style mal dégrossi de son trait d'enfant.

Dans ses œuvres récentes, on le découvre en train de se faire dévorer par des moutons géants, ou menacer par d'étranges et anthropomorphiques moquettes à doigts. Fabien Hérelle couche sur le papier ses mauvais esprits, ses monstres et ses peurs infantiles. Vêtu invariablement d'un pantalon de pyjama, signe ostensible que la perception du monde se fait par le rêve, le garçon aux traits d'adultes nous entraine avec lui dans un périple fantasque à travers son imaginaire.

Son style à la fois très minutieux et onirique fait la particularité de son œuvre, dans laquelle il se représente dans des situations énigmatiques ou inquiétantes. Fabien Hérelle nous décrit son concept artistique en quelques mots : « C’est mon but, mon défi, raconter une histoire. Ma feuille est une scène, un théâtre. L’équivalent en littérature serait une nouvelle, et sûrement pas un roman. Quelque chose de court, mais de très dense ».

Jiejing LIU 10277114

2011-05-18T15:30:00.000-07:00

BRANCUSI
« La taille directe est la vraie route de la sculpture mais ça n'est pas le bon chemin pour ceux qui ne savent pas marcher."
« C'est en taillant la pierre que l'on découvre l'esprit de la matière, sa propre mesure. La main pense et unit la pensée à la matière. C'est l'acte même du sculpteur face à un matériau dont la connaissance ne s'apprend que lentement, et réserve toujours un inattendu qu'il faudra résoudre sans pouvoir jamais rien ajouter, par seul retranchement. Il faut tailler et non blesser la pierre, trouver la solution devant l'apparition d'une veine ou d'une tache non prévue : il faut savoir lutter avec la pierre, la caresser, la polir, savoir avec angoisse comme avec joie, faire surgir la forme que l'on porte en soi, mais qu'elle peut aussi nous avoir inspiré selon sa texture, la forme même du bloc que l'on a choisi ou trouvé. »

Jiejing LIU 10277114

Sur la question de l'artiste...

2011-05-05T09:12:00.000-07:00

Après avoir quasiment fait un « coming-out » en direct (je tiens à rassurer « tout le monde » : depuis ça va beaucoup mieux) ; j’essayerais d’être un peu moins évasif en essayant de rapprocher cet épisode de l’une des questions centrales du cours : qu’est-ce qu’un artiste ? Est-ce une posture ? Est-ce une production ?

En recevant Jean-Luc Verna, et avec le recul, cela m’a amené à me demander si ce qui fait un artiste, n’est pas avant tout une posture, une façon d’être, de se revendiquer soi-même. Je pense qu’on s’accordera pour dire que Jean-Luc Verna est un artiste. Maintenant, essayons de savoir ce qui nous mettrait d’accord sur ce point, autrement dit sur ce qui fait que c’est un artiste, en essayant de le définir.

Quoi de mieux qu’un look punk pour afficher un désir de révolution, de revendications? Et bien, un artiste c’est aussi ça. Quelqu’un qui révolutionne le monde à sa manière. Certes, les « punks » c’est déjà connu, voire même du déjà-vu et fait. Mais cela n’empêche pas qu’il y a encore des choses à dire. Mon propos n’est pas tant de dire qu’un artiste serait une personnalité affirmée, voire extravagante, mais plutôt que c’est aussi ça être artiste. Ça en fait parti. Se sentir artiste avant de l’être, avoir cette révélation de soi, avant de le révéler plus ou moins fortement au monde. Cela ne signifie pas que les artistes reçus jusque là ne l’étaient pas. Au contraire. Ils l’ont peut-être davantage prouvé dans la présentation de leur travail. Il n’en demeure pas moins, que cela ne sautait pas aux yeux, si je puis dire. Mais une question, ou plutôt une série de questions me vient alors à l’esprit : Duchamp paraissait-il être un artiste ? Peut-être. Warhol donner t-il l’impression d’être artiste ? Oui, certainement. Jeff Koons ? Non. Ou alors c’est beaucoup moins évident. Cela suppose donc qu’il y a des artistes qui le paraissent. Et d’autres non.

Verna n’est pas Orlan, comme il l’a dit lui-même. La mise en scène est peut-être moins travaillée, la gestuelle plus soft ; mais il n’en demeure pas moins que, pour moi, l’on a à faire à une même catégorie d’artiste : celle avec une posture, une manière d’être. Si Van Gogh apparaît l’archétype même de l’artiste de fin 19^e et du début 20^e, inspirant encore aujourd’hui le mythe de l’artiste-maudit, de même que Rimbaud ou Verlaine ont pu l’être à la même époque, dans un autre registre (à mon sens) ; le genre d’artiste comme Verna est peut-être l’archétype actuel de l’artiste-maudit. Pas si maudit, on s’accordera là-dessus, bien que. Il n’en semble en tous cas pas moins à l’opposé d’artistes comme Jeff Koons ou Damien Hirst. Cela m’amène donc à penser qu’il y a plusieurs figures d’artistes. Plusieurs figures que l’on pourrait retracer en fonction de l’Histoire de l’art. Figures, qui évoluent, mais conservent des divergences. C’est l’idée d’un clivage inévitable entre certaines catégories d’artistes, à travers l’Histoire. Mais là, on s’éloigne.

Un problème qu’on pourrait souligner, en prenant en compte une certaine affirmation de soi dans l’idée d’être artiste, c’est que, bon nombre de personnes peuvent se revendiquer « artiste » sans l’être vraiment. À savoir, des gens qui se pensent (croient ?) « artiste », en s’appuyant seulement sur la posture. De même, il y a des artistes qui le sont, et ne se sentent pas comme tel ; n’ont pas besoin de le revendiquer autrement que par leurs œuvres. Etre artiste, c’est peut-être être exubérant avant tout, mais pas seulement. Cela ne se cantonne pas uniquement à de l’exubérance. Autrement, cela ne suffirait pas. Il y a bien autre chose derrière une apparence, plus ou moins révélatrice et revendicatrice, d’un artiste. La posture n’est donc pas suffisante pour être reconnu ou pouvoir se dire artiste. Mais elle n’en est peut-être pas moins un commencement, au moins pour l’égo de l’artiste, sans pour autant à avoir à s’exprimer par l’apparence. Vous l’aurez compris, je suis bien loin d’avoir solutionné le problème et répondu à la question initiale. Tout ça reste encore à méditer. Pour ma part, il me reste à prendre rendez-vous chez le tatoueur en attendant.

- Baudriand -

hadded imen

2011-05-02T14:23:00.000-07:00

NOTION DE L'ARTISTE

l' artiste pour elle est un individu faisant (une) œuvre, cultivant ou maîtrisant un art, un savoir, une technique, et dont on remarque entre autres la créativité, la poésie, l'originalité de sa production, de ses actes, de ses gestes. Ses œuvres sont source d'émotions, de sentiments, de réflexion, de spiritualité ou de transcendances.
pour elle l'artiste est un consepte vaste ,pour elle l'artiste doit étre le méroire de son épauque, l'artiste pour elle doit cherché dans tout le chose méme le plus marjinalisé.
elle s'interresse beaucous a la poésie par ce que la deffirence entre l'artiste et l'artisan c'est la culture artistique
Georgia Russell pénètre la face cachée des livres pour créer de la poésie cinétique, de la dentelle organique

Georgia Russell passe les livres au scalpel

Notre société, notre éducation dès notre plus jeune âge nous incite à protéger, respecter, sacraliser les livres !
Georgia Russell ne s’embarrasse pas de tout ça. Cette artiste écossaise transforme les livres (couvertures) pour leur redonner vie à grands coups de scalpel. Le geste est précis, chirurgical pour découper aussi bien de grands classiques de la littérature (Beaudelaire, Woolf, Nabokov ou même Breton) ou de simples dictionnaires de langues.…

Le travail artistique de Georgia Russell se décompose en 3 grandes partie : enfermer des livres sous des cloches de verre, présenter des partitions sous plexiglas, transformer des photographies.

hadded imen 10271828

2011-05-02T12:35:00.000-07:00

Raoul et Jean Dufy

du 14/04/2011 au 26/06/2011

Le musée Marmottan Monet organise pour la première fois en France une exposition consacrée à Raoul (1877-1953) et Jean (1888-1964) Dufy Si l’on connaît bien l’oeuvre de Raoul, celle de son frère Jean, peintre lui aussi, l’est moins.......

Raoul et Jean Dufy

Musée Marmottan-Monet

Le musée Marmottan Monet organise pour la première fois en France une exposition consacrée à Raoul (1877-1953) et Jean (1888-1964) Dufy.
Si l’on connaît bien l’oeuvre de Raoul, celle de son frère Jean, peintre lui aussi, l’est moins. Cadet de 11 ans, Jean se forme à la peinture entre 1906 et 1914, encouragé par son frère qui participe alors aux aventures fauve et cubiste. À partir de 1920, date de ses premières peintures, Jean produit une oeuvre riche et partage avec Raoul des préoccupations artistiques communes.
Les frères sont proches et entretiennent une correspondance régulière. Raoul et Jean développent des parcours parallèles et collaborent peu, à l’exception notable de La Fée électricité qui est aussi l’objet de leur rupture en 1937. Chacun d’eux crée une oeuvre abondante (environ 2500 pièces), structurée en séries, traitant de thèmes plaisants, rendus par un sens de la couleur auquel on les identifie l’un et l’autre.

Regroupant une centaine de peintures, d’aquarelles et de céramiques provenant de musées et de collections particulières du monde entier, l’exposition cherche à mettre en évidence les liens qui unissent l’oeuvre de Jean à celle de Raoul comme ce qui les singularise l’une de l’autre. Esquissant en préambule les périodes fauve et cubiste de Raoul, le parcours présente ensuite des grands thèmes communs aux deux frères et propose de comparer leur peinture : mer, fenêtres ouvertes et ateliers constituent la première partie du parcours ; puis les thèmes se singularisentà travers deux sections parallèles : à la palette chaude et à la touche vibrante des cirques peints par Jean répond la musique évoquée par Raoul ; aux courses et paddocks de Raoul font ensuite face les allées cavalières de Jean ;
enfin, les tableaux ayant pour thème Paris et Nice sont consacrés aux oeuvres tardives des deux frères et soulignent une évolution commune vers un style graphique initié par Raoul et subtilement revisité par Jean.
Cette exposition s’inscrit dans le champ des études dédiées à la filiation dans l’art et des manifestations qui lui sont consacrées depuis dix ans. Elle propose une lecture croisée de l’oeuvre des deux frères et permet de mieux situer la peinture de Jean Dufy.

Accès M° :: M° La Muette (ligne 9)
Adresse :: 2, rue Louis Boilly , 75016, Paris, France
Téléphone :: 01 44 96 50 33

Ouvert t.l.j. de 10h à 18h. Fermé le lundi

Tarif :Plein tarif : 10 euros - Tarif réduit : 5 euros - Moins de 7 ans : gratuit Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h - Nocturne le jeudi jusqu'à 20 h - Fermé au public le lundi

Art et génétique : le Bio-Art

2011-04-19T11:11:00.000-07:00

À l’occasion de l’exposition «LIFE, LIGHT & LANGUAGE » (La vie, la lumière et le langage), qui s’est tenue au centre des arts d’Enghien-les-bains, et qui ne valait pas vraiment le détour à mon sens, cela me permet d’aborder ce qui semble être un des pans de l’art contemporain : le Bio-Art. Plutôt que de vous parler de l’exposition en soi, j’évoquerai ce mouvement( ?), notamment par l’intermédiaire d’Eduardo Kac, considéré comme le pape du bio-art.

Par le terme « Bio-art », il ne s’agit pas d’entendre un art qui se voudrait écologique, prenant en compte des énergies nouvelles ou tout autre critère qui pourrait ravir Nicolas Hulot. Que nenni. Par bio-art, il s’agit plutôt de désigner un art qui utiliserait des techniques et des procédés biotechnologiques. Ainsi, derrière le terme « bio-art » se cache ce qu’il conviendrait d’appeler autrement : l’art biologique. Il s’agit donc d’un art incluant des procédés scientifiques, biologiques, allant même jusqu’à la manipulation génétique.

Symbole de ce bio-art, le lapin phosphorescent (cf photo), qui est à Eduardo Kac ce que le Inflatable Rabbit est à Jeff Koons. Ce lapin phosphorescent, une lapine nommée Alba en fait, a été obtenue en Février 2000, par une manipulation génétique, consistant à introduire un gène de méduse dans le métabolisme d’un autre animal : le lapin. Ce procédé, cette œuvre, a permis de faire connaître Eduardo Kac, non moins grâce à la polémique engendrée. Il rééditera d’ailleurs par la suite ce procédé sur des souris. Depuis, Eduardo Kac est considéré comme le pape et le précurseur du bio-art. Pour lui, il s’agit d’un art au service de « la création d’êtres vivants, qui ne sont pas dans la nature, mais biologiquement existants». L’idée est alors « d’intervenir sur le monde » par le biais de l’art pour le changer (ce monde). L’intention de Kac est donc de créer quelque chose d’inexistant dans la nature, en y modifiant quelques codes (génétiques en l’occurrence) afin de changer l’ordre naturel. Cela permet à l’artiste de façonner selon son esprit, telle ou telle chose, via une manipulation biologique. Autre œuvre à son actif, présente à l’exposition « Life, Light & Language», l’introduction de son propre ADN dans le métabolisme d’une plante. Il s’agit ici, d’injecter une protéine humaine, la sienne, dans le métabolisme d’une plante, poussant celle-ci à produire et renouveler d’elle-même cette protéine humaine.

À partir de là, il est facile de comprendre en quoi le bio-art peut susciter une controverse et des réticences quant à son acceptation comme art. En effet, le bio-art amène à se poser un certain nombre de questions, et notamment d’un point-de-vue moral et éthique. Si le procédé même du bio-art créé une controverse, c’est sans doute par le fait que l’utilisation des biotechnologies à des fins scientifiques suscite déjà elle-même des controverses. Or, tandis que l’on peut avancer l’argument de l’utilité et de la fin en soi pour justifier son utilisation dans le domaine scientifique, cela s’avère moins évident pour le domaine artistique. En effet, tandis que la génétique trouve sa justification dans le fait d’être au service de l’homme et de pouvoir aider les gens (« Aider son prochain !»), cela apparaît moins indéniable par l’utilisation qui en est faite dans le bio-art. Ainsi, l’utilisation de la science se fait à des fins purement esthétiques, ou n’a tout du moins pas vraiment d’autre but que de faire œuvre. Mais n’est-ce pas justement là le propre de l’art ? De ne pas avoir de finalité en soi. De n’avoir ni but, ni intention. De ne pas être forcément au service d’une cause. Mais ce que révèle surtout le bio-art c’est un tout autre aspect de l’art : un art en phase avec son temps.

En effet, en incluant des procédés technologiques et scientifiques, le bio-art prend conscience de sa contemporanéité. Et c’est peut-être là l’enjeu clé. Par les œuvres de Kac, on peut penser que cela permettra d’appréhender pour les générations futures, les procédés et évolutions de notre époque. Pour autant, peut-on considérer le bio-art comme un véritable mouvement de l’art contemporain ? N’est-il pas un simple pan de celui-ci ? N’est-il pas une simple tendance ou même la folie d’un artiste, en la personne de Kac ? D’autres artistes comme Marta de Menezes et ses papillons, ou dans une moindre mesure Olga Kisseleva, semblent confirmer cette tendance. En somme, le bio-art suscite autant de questions dont les réponses seront peut-être apportées avec le recul. Cela n’en empêche pas moins de découvrir un artiste comme Eduardo Kac, et d’appréhender plus amplement ce qui se cache derrière le bio-art. En attendant, d’avoir plus de recul peut-être, chacun se fera son avis.

Lien vers vidéo parlant de l'exposition « Life, Light & Language » et d'Eduardo Kac : Ici

- Baudriand -

Kate Muse

2011-04-01T06:22:00.000-07:00

Kate Moss, par Bansky

Comment parler de Kate Moss, tout en essayant de rester objectif et de ne pas y mettre une touche de subjectivité trop évidente ; mon but n’est pas tant de parler d’elle, que de ce qu’elle représente. À travers cet article, le sujet n’est pas tant Kate Moss, mais plutôt l’idée d’une icône culturelle et d’une muse pour un bon nombre d’artistes contemporains. Il est donc question de l’impact qu’elle suscite dans notre société et dans notre espace culturel.

Kate Moss est ce qu’on peut appeler : une icône. Elle est une source d’inspiration pour toute une génération, celle des années 90-2000, à la fois référence et miroir de celle-ci. Ce statut d’icône la propulse bien au-delà des podiums et du cercle de la mode, au sein même d’une culture populaire. Elle fascine et inspire par son image. Il y a donc bien une Kate Moss comme icône, mais il y a également une Kate Moss comme muse pour un certain nombre d’artistes actuels. En effet, d’une peinture de Lucian Freud au daguerréotype de Chuck Close, en passant par une sculpture de Marc Quinn, tous ces artistes se sont inspirés ou ont dédiés une de leurs œuvres à Kate Moss ; à l’instar d’une Marylin Monroe immortalisée (un peu plus) par une sérigraphie de Warhol. C’est d’ailleurs sous ce modèle de la sérigraphie qu’un artiste comme Bansky (auteur du film Faîtes le mur ! en 2010) tend à lui rendre hommage. Par cela, Kate Moss apparaît comme la muse universelle de notre époque, à la fois Kiki de Montparnasse et Brigitte Bardot. Mais elle s’inscrit surtout dans l’histoire de l’art de notre époque. Dès lors, certains se rappelleront peut-être, par ces œuvres, de qui elle était, de ce qu’elle représentait et véhiculait dans notre société. De la même manière que l’on se souvient de Marylin Monroe, il y a de forte chance qu’on se souvienne de Kate Moss ; pas seulement comme icône de la mode, mais davantage comme icône culturelle. Le recul nous permettra de mieux prendre conscience de l’impact d’une telle personnalité, de confirmer ou non un statut d’icône au caractère intemporel. Néanmoins, l’on ne peut nier une influence dans le domaine de l’art à travers ces œuvres, qui lui confère d’ors et déjà le caractère de muse des temps modernes.

Lien vers d'autres œuvres : http://www.luxist.com/gallery/kate-moss-in-art/1308505/

Je profite de cet article pour soumettre l’idée à notre enseignant préféré, d’inviter Kate Moss.

- Baudriand -

Une histoire de Moyen Age

2011-03-29T12:59:00.000-07:00

Vous connaissez Anne?
Mais si Anne, le premier volume de la bande dessinée le Royaume de Benoît Feroumont.

Et bien figurez vous que grâce à TRND et au édition Dupuis j'ai pu lire (en avant première) le troisième volume des aventures de nos héros. Et si Anne est toujours là, ici c'est de Cécile, son prétendant et Thibault dont il est question.

Quand on est une princesse, on ne fait pas toujours ce qu'on veut : parfois, on est même obligée de se marier avec un prince qu'on n'aime pas au nom de la raison d'État...

Pour assurer la paix du Royaume et sa bonne entente avec son voisin, le royaume d'Arbélie, le roi décide de marier Cécile au prince d'Arbélie. Mais c'est compter sans Cécile qui, en découvrant son fiancé, décide de se rebeller... et s'en va donner son premier baiser de princesse à Thibault, le bouffon du roi.

N'hésiter à lire ce petit bijoux, c'est à se tordre de rire.

En plus il sera en librairie ds le 1er Avril, et c'est pas une blague.

Comme le mieux c'est de commencer par le début:

Le Royaume 1 -Anne-

Le Royaume 2 -Les deux princesses-

Art(iste)

2011-01-28T07:23:00.000-08:00

La définition de l'oeuvre d'art est celle-ci: Une oeuvre d'art est un coin de la création vu à travers un tempérament.

Émile Zola.

Une oeuvre d’art existe en tant que telle à partir du moment où elle est regardée.

Nicos Hadjinicolaou

Je trouve que ces deux phrase sont complémentaires. Je me suis toujours senti proche de la première en définissant ce qui pour moi est l'art. L'art c'est magique, intemporel, chaque oeuvre à son public tous les avis ne converge pas en un même point. Ce n'est pas l'artiste qui l'art, c'est le spectateur.

Chacun de nous de nous a une part d'artiste, exprimé en fonction de notre personnalité, de notre tempérament.
L'art est accessible à tous, toutes les forme de d'art ne le sont pas.
Pour etre artiste c'est simple, il faut de l'audace, de l'imagination, une sensibilité et croire en ce qu'on fait. Ce qui est plus difficile c'est d'être reconnu en tant qu'artiste.

LP

Citations de Nicos Hadjinicolaou

Source : sagesse - citation

Citation de artistes sur l'art

2011-01-27T09:25:00.000-08:00

"Je ne fais ni de l’Art pour l’Art, ni de l’Art contre l’Art. Je suis pour l’Art, mais pour l’art qui n’a rien à voir avec l’Art, car l’art a tout à voir avec la vie. "Citations de Robert Rauschenberg

BALZAC
« La mission de l'art n'est pas de copier la nature, mais de l'exprimer ! Tu n'es pas un vil copiste, mais un poète ! Autrement un sculpteur serait quitte de tous ses travaux en moulant une femme ! Hé bien ! essaie de mouler la main de ta maîtresse et de la poser devant toi, tu trouveras un horrible cadavre sans aucune ressemblance, et tu seras forcé d'aller trouver le ciseau de l'homme qui, sans te copier exactement, t'en figurera le mouvement et la vie. Nous avons à saisir l'esprit, l'âme, la physionomie des choses et des êtres. »
Le Chef-d’œuvre inconnu

« Le travail constant est la loi de l'art comme celle de la vie; car l'art, c'est la création idéalisée. Aussi les grands artistes, les poètes complets n'attendent-ils ni les commandes, ni les chalands, ils enfantent aujourd'hui, demain, toujours. Il en résulte cette habitude du labeur, cette perpétuelle connaissance des difficultés qui les maintient en concubinage avec la Muse, avec ses forces créatrices. »
La Cousine Bette

www.p-vogel.com/french/citations.html - En cache hadded imen

Au-delà

2011-01-26T06:44:00.000-08:00

Je pense que ces temps derniers, personne n'aura échappé au dernier film de Clint Eastwood.
Pour ma part j'espérais pouvoir m'enfermer dans un monastère afin d'échapper à tout ce matraquage publicitaire. Dans ma sainte naïveté, j'avais oublier de compter avec mon entourage proche qui, à force d'un chantage affectif plus qu'efficace, a réussi à me traîner dans une obscure salle de cinéma.

J'hésite entre histoire d'amour et orphelin.
Ou pas.

Commençons par l'histoire:

Trois personnes touchés par la mort chacune à sa façon: George, ouvrier américain capable de communiquer avec les morts; Marie, une journaliste française, dont la vie est bouleversée après avoir frôlé la mort; Marcus, collégien à Londres, qui perd la personne la plus proche de lui.
Alors qu'ils sont en quête de la vérité, leurs chemins vont se croiser.

Casting: Matt Damon, Cécile De France, Thierry Neuvic, Jay Mohr, Richard Kind, Frankie McLaren, George McLaren, Lyndsey Marshal, Mylène Jampanoï, Stéphane Freiss, Bryce Dallas Howard

Durée: 2h08

Les lumières sont éteintes, Cécile de France apparaît à l'écran, on la suit doucement à la recherche du cadeau idéal, et c'est à ce moment que le film commence vraiment. Un tsunami qui ravage les côtes de l'Indonésie, une vague monstrueuse qui a tant fait parler d'elle. Ce spectacle ne permet pas d'envisager la suite.
Tout commence donc par Marie (Cécile de France) qui fait l'expérience de la mort. Après un tel choc à la tête, je me demande même comment elle a survécu.
Viennent ensuite Marcus (Franckie McLaren) un jeune anglais qui perd son frère jumeau Jason (George McLaren) après que ce dernier ai été percuté par un camion; et George (Matt Damon) qui essai de vivre avec sa "malédiction", entrer en contact avec les âmes des défunts.

Trois destins qui se construisent en vue d'un rapprochement final. Trois histoire, une seule fin, c'est tout ce que propose Au-delà.
On ne peut échapper à certaine longueur qui ne participe aucunement au développement du film, surtout du coté français. Le film serait plus court ça n'enlèverait rien à l'intrigue.
Pourtant, au milieu de ce brouhaha d'information, le jeune Marcus et sa quête de vérité m'ont touché. C'est à mon sens la moins artificielle de ces trois vies. J'ai trouvé F. McLaren sincère et émouvant dans un rôle à mon sens difficile.

Interrogé sur son long métrage, Clint Eastwood a déclaré:

Nous ignorons de quoi est fait l'au-delà, mais nous savons qu'ici-bas, la mort est bel et bien la fin de toute chose. Certains croient en l'au-delà, d'autres non. Les uns comme les autres en sont réduit à des hypothèses. C'est seulement Après que nous seront fixés.

Je ne dirais pas que c'est un mauvais film, mais je ne dirais pas qu'il est bon non plus.
Je pense néanmoins que cette troublante méditation sur la mort est un film à voir.

La Vie Pas Vraiment Rose

2011-01-22T16:53:00.000-08:00

Le photographe américain Larry Clark a organisé un "Kiss The Past Bonjour" ,une exposition de photographies au Musée d'Art Moderne à Paris,...se sont associées pour produire « Kiss the Past Bonjour »....  L'exposition a été beaucoup controversée.Elle a été interdite aux mineurs.

Certaines images ont été qualifiées de pornographiques. Elles pourraient avoir une mauvaise influence sur les jeunes.Larry Clark (Larry Clark), est né en 1943, à Tulsa, Oklahoma. Il vit maintenant à New York. C’est en 1971, que Larry Clark fut remarqué grâce à un livre de photographies, intitulé "Tulsa" obtenu. Il s'agit d'un livre qui décrit la vie des jeunes dans les années 60. Certains des modèles se droguent. Les photographies ont un impact fort.

elles nous communiquent la douleur physique et mentale et la dépression des amis du photograph.
Comme Clark appartient au groupe, il n'est pas considéré comme un facteur étranger. Il a été en mesure d’aller au bout de sa démarche et a pu décrire des situations qui nous apparaissent comme impressionnant es

Alan Clark, respecte les sentiments personnels des personnes qu’il photographie, il est à la recherche de la vérité, et enregistre la vie comme dans des films documentaires. Il devenu le représentant à la fin des années 80 de "la description de l’intimité des rapports humains »

8 Octombre 2010-2 Janvier 2011
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

11 avenue du Président Wilson
75116 Paris

Tao Lili

L’exposition Gabriel Orozco

2011-01-16T12:44:00.000-08:00

Gabriel Orozco est un artiste contemporain mexicain post-minimaliste, né en 1962 à jalapa au Mexique. Il vit actuellement entre New York, Mexico et Paris. Gabriel Orezco s'est imposé dès le début des années 1990 sur la scène internationale. Artiste en constant déplacement, sans atelier fixe, il puise son inspiration dans les différents lieux qu'il traverse, et rejette les identifications nationales ou régionales.

Son travail, en perpétuelle évolution, propose des échelles variées ainsi qu'une grande diversité de medias. Photographies de ses interventions dans l'espace public, sculptures en terre cuite, dessins, collages, objets reconfigurés et peintures composent son univers inspiré d'éléments du paysage urbain et du corps humain.

Il travaille notamment sur le thème du déplacement dans de nombreuses œuvres ; "Turista Maluco" en 1991 est une installation montrant des oranges disposées sur différentes tables. En 1993, il crée "'DS", une voiture réduite en son milieu du tiers de ses dimensions originales. Jouant toujours sur l'idée du déplacement, de ses moyens, il crée en 1994 "four bicycles", quatre vélos sont assemblés leur enlevant ainsi toute utilité. En 1995, il photographie sa Schwalbe jaune à coté d'une autre équivalente ; "Until you find another yellow Schwalbe". En 1995 avec 'habemus vespam",il détourne la formule rituelle lors de l'élection d'un nouveau pape "habemus papam", cette oeuvre représente un scooter en pierre sans détails et grandeur nature.

C'est la première fois que je visite son exposition, je trouve que les incidents du quotidien sont centraux dans ses oeuvres dont la poésie émane du hasard et du paradoxe, je pense que chez cet artiste, les frontières entre l'objet d'art et l'environnement quotidien sont délibérément brouillées, que l'art et le réalité sont volontairement mélangés.

Expositions au Centre Pompidou

15 septembre 2010 - 3 janvier 2011

SHU Chen N d'etudiant 10272864

Monuments, stars du 7ème art

2011-01-16T09:28:00.000-08:00

CINÉMA

29 Octobre 2010 > 13 Février 2011

Cette exposition clôture cette année dédiée au 7e art. Elle dévoile l’envers du décor, elle découvre le rôle des chefs-d’œuvre du patrimoine architectural français à l’écran.

Décors réels ou reconstitués en studio. On peut trouver que ces monuments ont inspiré des centaines de films français et étrangers. Les décorateurs travaillent ici pour décorer. On peut y apercevoir l’imagination des cinéastes et des directeurs photo, Il y a le charisme des comédiens, Et les personnes magnifient le monument comme star de cinéma.

Les séquences de l’exposition, au travers de nombreux documents rares, de spectaculaires éléments de décor, de costumes et d’extraits de films, mettent en évidence les différents rôles que jouent les monuments.

Dates et horaires
Ouvert tous les jours de 9h30 à 18h sauf les 25 décembre 2010 et 1er janvier 2011.
Dernier accès 45 minutes avant la fermeture.

Droits d’entrée
Plein tarif : 8,5 €
Tarif réduit : 6 €
Tarif groupe : 7 € (à partir de 20 personnes)

SHU Chen N d'etudiant 10272864

LE LAC DES CYGNES

2011-01-07T08:00:00.000-08:00

Premier ballet de Tchaikovski, Le Lac des cygnes résonne d’une singulière douceur et mélancolie. En 1895, Marius Petipa s’empare de ce chef-d’oeuvre et crée le mythe de la danseuse-cygne, ballerine par excellence. Dans la version de Rudolf Noureev, les personnages prennent toute leur ampleur psychologique offrant une dimension plus profonde à ce somptueux ballet d’action.

Découvrez Le "lac des Cygnes" envoûte l'Opéra Bastille sur Culturebox !

Dans 'Le Lac des cygnes', le prince Siegfried se dérobe à la réalité du pouvoir et du mariage en se réfugiant dans ses rêves : lui apparaît alors un lac magique, porteur de l'amour idéalisé d'une femme qui, victime de la malédiction du sorcier Rothbart, se transforme chaque jour en cygne avec ses suivantes avant de redevenir femmes la nuit tombée.
Pièce caractéristique des 'ballets blancs', en référence aux tutus portés par le corps de ballet, elle fait s'enchaîner ensembles majestueux et danses de caractères, duo très attendus et passages techniques.

Je connaissais la musique, aujourd'hui je connais les pas. Si j'ai été voir ce ballet, c'est avant tout par amour de la danse et pour la majesté du ballet.
Cet exploit autant technique que physique, est tout simplement époustouflant.
Je n'ai pas d'autres mots que magique pour exprimer le sentiment que j'ai éprouvé tout au long de ce spectacle. Entre solos et variations, c'est à une vrai féérie que j'ai pu assister.

Les representation du "lac des Cygnes" ont eut lieu du 29/11/2010 au 05/01/2011 à l'opéra Bastille à Paris.

LP

L’exposition Glen Keane.

2010-12-20T04:53:00.000-08:00

Tout le monde connait les dessins de Glen Keane, et pourtant, presque personne ne sait qui il est. Poutant, cet artiste au trait de crayon phénoménal fera naitre des personnages mythiques, tel Ariel (la petite sirène), La Bête, Aladin, Pocahontas, Tarzan.
Sur l’île St. Louis à Paris en ce moment on peut se plonger dans une expo magnifique où Glen Keane nous offre d'admirer quelques précieux croquis issus de ces dessins animés.

Je m'y suis donc rendu, et j’en suis ressortie des paillettes pleins les yeux. De voir Aladdin sur papier, les croquis de Raiponce crayonnés et travaillés c’est chouette. Ce qui est intéressant notamment, c’est qu’on y découvre de nombreuses autres illustrations. Ce sont des dessins qui restent en effet dans le thème mais on y découvre un style à part, plus « artistique », en couleur et abouti.

Plus d’une soixantaine d’oeuvres exceptionnelles y sont exposées, parmi lesquelles certains dessins "historiques" prêtés par les studios Disney, mais également de très nombreux croquis, et aquarelles personnelles de Glen Keane

du 10/11/2010 au 08/01/2011
Horaires : Du mardi au samedi de 14h à 19H
12-14 rue Saint-Louis en l'Île,
75004 PARIS
LP

L'or des Incas

2010-11-20T05:20:00.000-08:00

Les Incas ont dominé les Andes durant un siècle (1400-1533). Ils sont les héritiers de traditions sophistiquées élborées pendant plus de 3000ans.

Pour les Incas, l'or était issus de leur dieux, le soleil. Ils était aspect extrèmement important de leur vie.

Si on hésite à entrer en ne pensant voir qu'une suite de bibelot déterrés par des archéologues, la seul chose que je puisse dire, c'est ne passez pas votre chemin. Vous serez surpris par la richesse (dans tous les sens du terme) que cette exposition a à offrir.

C'est un véritable voyage à travers le temps dans la culture incas qui s'ouvre devant nos yeux. Laissons notre regard s'egarer sur l'éclat d'une couronne, assistons au sacrifice au Dieux Soleil à travers les vases sacrificiels.

Ce qui a toujours été une légende s'eveille sous nos yeux.

Réveillez l'Indiana Jones qui sommeil en vous et passez les portes de ce qui pourrait être le plus grand voyage de votre vie.

L'Or des Incas,

du 10 septembre 2010 au 06 février 2011

Pinacothèque de Paris

Plein tarif 10€

Tarif reduit 8€

LP

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Presse Membres Paris, Delhi, Bombay… L'Inde vue par des artistes indiens et français Centre Pompidou (Paris) 25/05/2011 > 19/09/201

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